Португалия 2024
Лиссабон: Музей Гульбенкяна
Лучший художественный музей в Лиссабоне носит имя Галуста Гюльбенкяна (1869-1955), британского нефтяного магната первой половины XX века, родившегося в османском Константинополе в богатой армянской семье. Он вошел в историю благодаря двум вещам: во-первых, он был среди пионеров широкомасштабной нефтедобычи на Ближнем Востоке и соучредителем множества нефтяных компаний, а во-вторых, - еще и страстным собирателем предметов искусства.
Коллекционером Гюльбенкян был почти всеядным: его интересовали древнеегипетская и месопотамская скульптура, античные монеты, ближневосточные ковры, китайский фарфор и японская лаковая миниатюра, французская мебель и серебро, европейская живопись. В коллекции, собранной Гульбенкяном, - более 6000 экспонатов, охватывающих пять тысячелетий истории.
В России Галуст Гюльбенкян известен прежде всего как один из главных покупателей предметов из коллекции Эрмитажа. Оказав советским властям помощь в налаживании экспорта нефти, Гульбенкян получил преференции в приобретении продававшихся в 1929–1934 годах произведений искусства из собрания Эрмитажа. Всего он купил 51 предмет из российских музейных коллекций (10 картин, 1 скульптуру, 1 предмет мебели, 39 единиц ювелирных изделий и посуды из серебра). И все - по очень привлекательным для себя ценам. Абсолютное большинство его эрмитажных приобретений и сейчас находится в Лиссабоне, мы их отыскали в музее и акцентируем на них внимание в этом альбоме.
С 1942 года и до конца своей жизни Гульбенкян жил в столице Португалии, перебравшись туда из окупированного нацистами Парижа, - прежде всего, из соображений безопасности. По составленному им завещанию, его роскошное собрание досталось Португалии, где всю коллекцию удалось собрать под одной крышей, как он сам и мечтал. Первоначально Гульбенкян пытался разместить относительно автономную экспозицию своей коллекции (под управлением своего же фонда) в Национальной галерее в Лондоне или в Национальном художественном музее в Вашингтоне, но ни с англичанами, ни с американцами ему договориться не удалось. А в Лиссабоне получилось, и в 1969 году, через 14 лет после смерти коллекционера, в специально построенном здании открылся Музей Галуста Гюльбенкяна. Можно сказать, что такое великолепное собрание предметов искусства оказалось в Португалии по счастливому для нее стечению обстоятельств.
Фото 1. Здание музея Галуста Гюльбенкяна.
Фото 2. Рядом с музеем Галуста Гюльбенкяна - симпатичный парк с лужайками.
Фото 3. В зале древнеегипетского искусства.
Фото 4. Солнечная барка Джедхора. Египет. Период 26–30-й династии (ок.380–343 до н.э.). Бронза. Солнечные барки - это суда, которые, согласно древнеегипетской мифологии, использовал бог солнца Ра. Будучи земным воплощением бога солнца, фараон после смерти использовал похожую лодку, чтобы отправиться в загробный мир. Эта барка, покоящаяся на крокодиле (символе Нила) и посвященная фараону Джедхору, использовалась в религиозных процессиях и церемониях, чтобы вызвать защиту богов и воскрешение фараона. На барке представлены несколько божеств, защищающих мертвых, покровительствующих королевской власти.
Фото 5. Барельеф с изображением жреца Аменеминета. Новое Царство, конец 18-й династии. Ок.1320 до н.э. Известняк.
Фото 6. Ассирийский барельеф из дворца Нимруда в Месопотамии (на территории современного Ирака). Oк. 884–859 до н.э. Алебастр. На барельефе изображен крылатый демон с поднятой правой рукой в ритуальной позе, держащий в левой руке сосуд для святой воды.
Фото 7. Светильник для мечети. Египет или Сирия. Период мамлюков, ок.1354–1361. Эмалированное и позолоченное стекло. Эта техника, получившая развитие в Сирии и Египте в конце 12-начале 13-го веков, считается одним из главных вкладов исламской культуры в искусство стекла.
Фото 8. Сосуд с китайскими львами. Египет или Сирия. Период мамлюков, 14-й век. Эмалированное и позолоченное стекло.
Фото 9ab. Молитвенные ниши. Персия. Конец 13-го-нач.14-го веков (левая)и 1311 (правая). Литая керамика, декор с люстровой росписью. Цитаты из Корана выделены синим цветом. Основная функция таких молитвенных ниш, размещаемых на стенах религиозных сооружений, - указать верующим направление на Мекку.
Фото 10. Кувшин. Средняя Азия. Период Тимуридов, 1417–49. Белый нефрит. Этот кувшин, произведенный в Самарканде, считается одним из самых известных произведений из нефрита периода Тимуридов (1378–1506). Дракон на ручке был повторяющимся мотивом в искусстве Тимуридов и показывает влияние китайского искусства. Рельефная надпись на горлышке содержит имя и титулы Улугбека, сына Шахруха и внука Тимура (Тамерлана).
Фото 11. Зал с искусством Среднего Востока.
Фото 12. Пара керамических плиток с фениксами. Иран. Начало 14-го века. Феникс - мифологическая птица, обладающая способностью сжигать себя и затем возрождаться из пепла.
Фото 13. Плитка в форме звезды. Иран. Первая половина 15-го века. Период Тимуридов.
Фото 14. Плиточная панель с цветами и вазой. Турция, Изник. Ок.1592. В 16-17-ом веках Изник был центром производства декоративной керамики.
Фото 15. Витрина с турецкой керамикой. Изник. 16-й век.
Фото 16ab. Керамические тарелки. Слева: тарелка с гранатами. Турция, Изник. Ок.1535-1540. Справа: тарелка с кипарисовым садом. Сирия. Нач.17-го века.
Фото 17. Иллюстрированная Библия на армянском языке. Стамбул. 1623. На этих двух страницах показаны шесть дней сотворения мира (на боковых медальонах), а в центральной части, на позолоченном фоне — сотворение Адама и Евы, Искушение и Изгнание из Рая. Ходжа Назар, богатый армянин, заказал эту Библию в Константинополе, в одном из центров Армянского патриархата.
Фото 18ab. Слева: Тарелка с четырьмя играющими детьми. Справа: Пара соколов. Китай. Первая половина 18-го века.
Фото 19. Китайская керамика со львами. Первая половина 18-го века.
Фото 20. Инро. Япония. Вторая половина 19-го века(?). Перламутр, золото, лак. Инро — коробочка для хранения мелких предметов. Так как в традиционном японском одеянии отсутствуют карманы, личные вещи часто подвешивались на поясе в различных ёмкостях. Инро с течением времени превратился из чисто утилитарного предмета в объект высокого искусства и потрясающего мастерства.
Фото 21. Пластина с распятием. Византия. Конец 10-го-начало 11-го веков. Слоновая кость. Эта пластина, изображающая Христа на кресте, в окружении Девы Мариии и св. Иоанна, могла быть центральной панелью триптиха, изначально использовавшегося для личного поклонения.
Фото 22. Христос. Италия, Ломбардия. 12-й век. Позолоченная бронза.
Фото 23. Табернакль с Распятием и сценами Страстей Христовых. Кельн. Ок.1300-1310. Слоновая кость.
Фото 24. Диптих с Коронацией Богородицы и Распятием. Германия. 1365-1380. Слоновая кость.
Фото 25. Диптих со сценами Страстей Христовых. Париж. 14-й век. Представленные сцены, начиная с нижнего левого угла: Бичевание, и далее по часовой стрелке: Распятие, Снятие с креста и Погребение. Слоновая кость все еще несет следы первоначального полихромного декора.
Фото 26. Триптих со сценами из жизни и смерти Девы Марии. Париж. 1325-1350. Слоновая кость.
Фото 27ab. Рогир ван дер Вейден. Изображение святой Екатерины (?).Изображение святого Иосифа. Фландрия. Ок.1435–1437 гг. Это два фрагмента знаменитого алтаря с читающей Марией Магдалиной (Национальная галерея, Лондон), который был демонтирован по неизвестным причинам.
Фото 28. Круг Дирка Боутса. Благовещение. Фландрия. Ок. 1480–1490 гг. Пейзаж изобилует реалистичными деталями, как это было присуще ранней фламандской школе.
Это одна из картин из фондов Эрмитажа, которую Гульбенкян приобрел в 1929 году.
Фото 29. Штефан Лохнер. Сретение во храме. Кельн. 1447. На переднем плане - Дева Мария и Анна Пророчица, в то время как св. Иосиф, стоящий у них за спиной, держит корзину с двумя голубями - приношение бедных, заказанное Моисеем. Справа Младенец теребит бороду Симеона Священника.
Фото 30. Доменико Гирландайо. Портрет молодой женщины. Флоренция. Ок. 1490. Чудесный портрет прелестной девушки! В 15-в веке в состоятельных семьях возник спрос на портреты, что положило начало рождению этого живописного жанра.
Фото 31. Джулиано Буджардини. Портрет молодой женщины. Флоренция. Ок. 1516-1525. Этот художник вместе с молодым Микеланджело обучался в мастерской Гирландайо.
Фото 32. Андреа Делла Роббиа. Вера. Флоренция, ок. 1465 – 1470. Глазурованная и эмалированная терракота. Этот медальон олицетворяет христианскую добродетель Веры с ее традиционными атрибутами: крестом и чашей.
Фото 33. Неизвестный автор. Мадонна с Младенцем. Фландрия. 1485-1490.
Фото 34. Чима да Конельяно. ‘Sacra Conversazione’ или Отдых на пути в Египет. Венеция. 1496-1498. Помимо ангелов и святого Иосифа, слева от центральной группы мы видим святого Иоанна Крестителя, а на противоположной стороне — святую Люсию Сиракузскую, держащую светильник (один из ее характерных атрибутов и отсылку к божественному свету и мудрости).
Фото 35. Витторе Карпаччо. Святое семейство и донаторы. Венеция. 1505. Эта картина, центральной темой которой является Поклонение Младенцу, считается одной из самых замечательных работ художника. Обратите внимание, что донаторы (они справа) представлены в том же масштабе, что и священные персонажи.
Фото 36. Круг Яна Госсарта. Мадонна с Младенцем. Фландрия. Ок. 1508-1510. Ян Госсарт - родоначальник романтизма в нидерландской живописи 16-го века.
Фото 37. Франс Хальс. Портрет Сары Хессикс. Голландия. Ок.1626.
Фото 38. Антонис Ван Дейк. Мужской портрет. Фландрия. Ок.1620-1621. Имя изображенного персонажа до сих пор неизвестно.
Фото 39. Пауль де Вос. Павлин и петушиные бои. Фландрия. Ок. 1630.
Фото 40. Питер Пауль Рубенс. Бегство в Египет. Фландрия. Ок.1630-1632. К этому библейскому сюжету Рубенс обращался неоднократно. Эта небольшая работа - одна из первых.
Фото 41. Питер Пауль Рубенс. Любовь кентавров. Фландрия. Ок.1635. Кентавры в древнегреческой мифологии - это дикие смертные существа с головой и торсом человека на теле лошади, сопровождавшие Диониса и отличавшиеся буйным нравом и невоздержанностью. В "Любви кентавров", как считают некоторые искусствоведы, Рубенс выразил свою любовь к жизни, природе и физической красоте, изобразив их с энергией и страстью.
Фото 42. Питер Пауль Рубенс. Портрет Елены Фоурмент. Фландрия. 1630-1632. Это вторая жена Рубенса, которая была на 36 лет моложе него. На этом портрете ей 17-18 лет. Почти все лучшее, написанное Рубенсом в последнее десятилетие его жизни, как считают, освещено чувством к этой женщине: ее черты можно найти в большинстве образов, будь то вакханка, Дева Мария или Вирсавия.
Фото 43. Питер Пауль Рубенс. Портрет Елены Фоурмент, фрагмент. Фландрия. 1630-1632. Этот шедевр из музейной коллекции Эрмитажа Гульбенкян купил в 1930 году.
Фото 44. Рембрандт ван Рейн. Портрет старика. Голландия. 1645. К теме старости Ребрандт обращался многократно. Личность персонажа на этой картине неизвестна, и богатый костюм не дает никаких указаний на род занятий или социальный статус старика. Предполагают, что это, по-видимому, - аксессуар, принадлежавший мастерской художника, который он использовал как декоративный элемент.
Фото 45. Рембрандт ван Рейн. Портрет старика, фрагмент. Этот шедевр Рембрандта, как и его же «Афина Паллада» (на фото ниже), раньше входили в коллекцию Екатерины II. Галуст Гюльбенкян купил их из эрмитажного собрания в 1930 году.
Фото 46. Рембрандт ван Рейн. Афина Паллада. Голландия. Ок. 1657. Тема этой работы, ее датировка и авторство долго были предметами споров для специалистов. Сегодня, однако, считается, что картина была написана Рембрандтом и одним из его учеников. Что касается идентификации изображенного, то некоторые эксперты считают, что это Александр Македонский, другие называли картину "Марсом", "Портретом Титуса" и "Молодым воином".
Фото 47. Якоб ван Рейсдал. Вид с побережья Норвегии, или Бурное море у побережья. Голландия. Ок.1660. Рейсдал написал от сорока до пятидесяти морских пейзажей, из которых около тридцати сохранились до наших дней.
Фото 48. Ян Веникс. Павлин и охотничьи трофеи. Голландия. 1708. Эта композиция в стиле декоративной живописи конца 17-го века изображает различные охотничьи трофеи и павлина, обрамленного пейзажным фоном. Картина "примиряет" натюрморт с изображением живых животных.
Фото 49. Гюбер Робер. Фонтаны Аполлона в садах Версаля (Le Bosquet des Bains d’Apollon) (1775-1777). Топография и наблюдение за природой не интересовали этого художника. Он специализировался на изображениях античных руин в окружении идеализированной природы и даже заработал прозвище «Робер развалин» (Robert des Ruines). В последние годы своей жизни Робер был востребован и как опытный и очень находчивый дизайнер садов и ландшафтов.
Фото 50. Гюбер Робер. Сады Версаля (Le Tapis Vert) (1775-1777). Обе картины Робера Гульбенкян купил из фондов Эрмитажа. Александр Бенуа писал: "Об искусстве великолепного поэта руин и тенистых парков, одного из лучших декоративных живописцев всей истории искусства...нельзя иметь понятия по двум незначительным картинам в Эрмитаже, зато можно видеть много его шедевров в наших дворцах (в Зимнем, в Царскосельском, в Гатчинском), а также у частных лиц: у князя Юсупова, у гр. Строганова, у гр. Шуваловой."
Фото 51ab. Жан Антуан Гудон. Диана. Мрамор. 1780. Поначалу скульптура римской богини луны и охоты вызвала у публики споры из-за своей полной наготы. Однако сочетание изящества с чувственностью модели было настолько безупречным, что эта работа стала считаться образцом французской скульптуры.
Статуя Дианы входила в коллекцию Эрмитажа, откуда Гульбенкян приобрел ее в 1930 году.
Фото 52. Жан Антуан Гудон. Аполлон. Бронза. 1790.
Следующие 3 картины тоже раньше входили в музейную коллекцию Эрмитажа, были куплены Гульбенкяном, но в Лиссабоне их нет. Приводим их фото для полноты рассказа о Гульбенкяне и его отношениях с Россией (Эрмитажем).
Фото 53. Рембрандт ван Рейн. Портрет Титуса. 1668. Сейчас, как утверждает интернет, эта бывшая эрмитажная картина хранится в Лувре как работа, приписываемая Рембрандту. Фото из сети.
Фото 54. Герард Терборх. Урок музыки. 1668 г. Эта бывшая эрмитажная картина была перепродана Гюльбенкяном в Музей искусств Толедо (Toledo Museum of Art) — крупнейший художественный музей в американском штате Огайо. Фото из сети.
Фото 55. Антуан Ватто. Лютнист. Ок. 1718-1720. Герой поет, аккомпанируя себе, серенаду. Но чувство его безответно: на это намекает статуя в виде женской фигуры, повернутая спиной к несчастному влюбленному. В 1934 году Гюльбенкян перепродал полотно музею Метрополитен.
Фото 56. Франсуа Буше. Купидон и три грации. Франция. 1738. Буше - один из ключевых французских художников 18-го века, яркий представитель стиля рококо, мастер декоративного искусства.
Фото 57. Жан-Оноре Фрагонар. Остров любви. 1770 год. Картина, один из шедевров художника, справедливо была описана как «тревожная и завораживающая».
Фото 58. Франсуа-Андре Венсан. Портрет мадемуазель Дюплан. 1793 год. На картине - оперная певица, которая прославилась партией в опере Пиччинини «Атис». Именно эти ноты и лежат на пюпитре на клавесине.
Французская коллекция, пожалуй, самая представительная в этом музее - и по части живописи со скульптурой, и в разделе мебели и декоративно-прикладного искусства.
Фото 59. В одном из залов музея.
Фото 60. Комод. Жан Дефорж. Париж. 1750-1755. Этот комод полностью покрыт панелями японского лакированного дерева, украшенными позолоченными рельефами. Вверху слева изображен дракон среди облаков, а внизу справа — два сражающихся диких животных.
Фото 61. Часы-регулятор. Париж. Ок. 1735–40 гг. Дуб и экзотические породы дерева; бронза; эмаль. Часы с длинным корпусом и очень длинными маятниками назывались регуляторами, потому что они были настолько точными, что другие часы можно было настроить с их помощью.
Фото 62. Шпалера "Танец" (из серии "Играющие дети") по рисунку Джулио Романо. Италия, Мантуя. Ок. 1540.
Фото 63. На заднем плане - пара книжных шкафов. Мастерская Чарльза Крессента. Париж. Ок.1725. Дуб, экзотические сорта дерева, бронза. Эти шкафы считаются одной из самых оригинальных и роскошных работ Крессента.
Фото 64. Два буфета. Андре-Шарль Буль. Париж. Ок. 1700. Эти шкафы украшены позолоченной бронзой, на которой изображены мифологические сцены на темы из «Метаморфоз» Овидия. Андре-Шарль Буль был мастером-краснодеревщиком короля Людовика XIV.
Фото 65. Письменный стол. Мартин Карлен, Шарль-Николя Доден. Париж. 1772. Дуб, экзотические сорта дерева, севрский фарфор, бронза. Самая интересная особенность этого стола - декоративные севрские фарфоровые пластины, особенно та, что на столешнице.
Фото 66. Письменный стол: столешница. На ней изображена сцена, где молодая женщина показывает свою руку хироманту под внимательным взглядом трех человек, наиболее примечательным из которых является мужская фигура справа, чьи черты и одежда имеют восточный вид.
Фото 67. Фрагмент экспозиции.
Фото 68ab. Слева - шкаф для медалей. Справа - угловая тумба. Оба предмета сделаны в мастерской Чарльза Крессента. Париж. 1750-е. Дуб, экзотические сорта дерева, бронза. Это прекрасные образцы работы Крессента, знаменитого краснодеревщика, работавшего на герцога Орлеанского, племянника и регента Людовика XIV.
Фото 69. Астрономические часы. Андре-Шарль Буль, Жак Тюре. Париж. Ок. 1712. Это астрономические часы, названные так за свой высокоточный механизм, который в дополнение к индикации часов, минут и секунд предоставляет другую информацию (фазы Луны, положение Солнца, а также знаки зодиака). За качество и мастерство Андре-Шарля Буля Людовик XIV назвал его «мастером-краснодеревщиком короля».
Фото 70. Сервант. Мастерская Матье Гийома Крамера. Париж. 1785-1790. Дуб, сосна, лакированное дерево. Вверху - украшение из бронзы (3 предмета). Мастер - Пьер-Филипп Томир. Париж. Ок.1810.
Фото 71. На стене - гобелены из серии шинуазри (с традиционными китайскими мотивами) - темы, которая была модной в европейском искусстве на протяжении всего 18-го века. Все гобелены этой серии посвящены темам, связанным с танцами, охотой и рыбалкой. Человеческие фигуры, почти всегда восточные, обрамлены гирляндами цветов, пагодами и разныыми видами животных.
Фото 72. Гобелен «Неудачливый рыболов». Мастерская Обюссона по эскизам Жана Пиймана. Франция. 18 век. Шерсть и шелк.
Фото 73. Вазы сервского фарфора. Конец 18-го-начало 19-го вв.
Фото 74. Томас Гейнсборо. Портрет миссис Лоундес-Стоун. Англия. Ок. 1775. Этого художника считали «идеальным интерпретатором образа английской женщины», и этот портрет, пожалуй, выделяется особой утонченностью.
Фото 75. Томас Гейнсборо. Портрет мисс Филадельфии Роули. Англия. Ок. 1783.
Фото 76. Джон Хоппнер. Портрет миссис Фрэнсис Бересфорд. Англия. Ок.1785.
Фото 77. Джордж Ромни. Портрет Мисс Констебль. Англия. 1787 год. Один из самых модных портретистов своего времени с мягким, лиричным стилем живописи.
Фото 78. Уильям Тернер. Кораблекрушение. Англия. 1810. Следуя романтической традиции, Тёрнер изображает дикую мощь природы.
Фото 79. Уильям Тернер. Кийбёф, устье Сены. Англия. 1833.
Фото 80. Томас Лоуренс. Портрет Элизабет Конингхэм. Англия. 1824.
Фото 81. Крышка для блюда. Антуан-Себастьян Дюран. Париж. 1745-1755. Серебро. Декор наверху: натюрморт из рыбы, моллюсков и рыболовных символов на ложе из водорослей. Скульптурная композиция, замечательная не только своей оригинальностью, но и совершенством исполнения!
Фото 82. Настольное украшение. Франсуа-Тома Жермен. Париж. 1766. Серебро. Ансамбль состоит из трех произведений. Фото из сети. Этот набор из собрания Эрмитажа куплен Гульбенкяном в 1930 году.
Фото 83-84bc. Настольное украшение, фрагменты. Центральный предмет с аллегорической сценой «Вакх, опьяняющий Любовью»: изображены двое играющих детей, один из которых крылатый. Два боковых предмета изображают «Юность с чертами Глупости» в виде маленькой девочки, наблюдающей за парой голубей; в то время как другая, «Нежность», изображает маленькую девочку, играющую на кастаньетах.
Фото 85. Пара соусников для горчицы. Антуан-Себастьян Дюран. Париж. 1751-1752. Серебро. Эта пара соусников для горчицы в форме маленьких мальчиков, толкающих тачки с бочками, была выполнена для мадам де Помпадур, вероятно, по образцу Фальконе.
Фото 86. Одна из витрин с серебряной посудой. На заднем плане слева - супница и правее нее - поднос - предметы из императорской коллекции Эрмитажа (куплены Гульбенкяном). Мастерская Чарльза Спайра. Париж 1752-1753. Серебро.
Фото 87. Кувшин с подносом. Жан-Шарль Рокийе-Денуайе. Париж. 1778-1779. Серебро.
Фото 88ab. Супница и поднос. Франсуа-Тома Жермен. Париж. 1761. Позолоченное серебро.
Фото 89. Кувшин грушевидной формы. Китай и Франция. 18-й век. Селадон и бронза.
Фото 90. Сахарница с 12 ложками и щипцами для сахара. Две солонки. Мастерская Мартина-Гийома Бьенне. Париж. 1798-1809. Серебро и позолоченное серебро.
Фото 91. Ведерко для охлаждения вина. Две солонки. Робер-Жозеф Огюст. 1768-1769. Серебро. Можно предположить, что эти предметы тоже из эрмитажной коллекции, поскольку на ведерке для охлаждения вина хорошо виден герб Российской империи.
Фото 92. Кувшин с крышкой. Мастер и дата изготовления неизвестны. Яшма и золото. Простой по форме сосуд из яшмы украшен замысловатой крышкой, где изображен мальчик, лежащий на основании из камней, цветов, ракушек и завитков. Верхняя часть ручки изображает козу, хвост которой простирается по длине ручки.
Фото 93. Самовар с подносом, чайник, два кофейника, сахарница...Мастерская Мартина-Гийома Бьенне. Париж. 1817. Позолоченное серебро.
Фото 94ab. Антонио Канова. Весталка Туккии. Рим. 1818. Мрамор.
Фото 95ab. Жан-Батист Пигаль. Статуэтка ребенка. Париж, 18-й век. Эта фигурка мальчика, плачущего над только что умершей птицей, настолько выразительна, что хочется протянуть руку и утешить его. Пигаль десять лет проработал у мадам де Помпадур, фаворитки Людовика XV, и был приглашен управлять Севрской фабрикой, которая воспроизвела несколько его шедевров в фарфоре.
Фото 96. Жан-Батист Карпо. L’Amour à la Folie. Париж. 1872. Мрамор. Эта скульптура - фрагмент большой скульптурной группы La Danse, выполненной Карпо для украшения фасада Парижской оперы.
Фото 97ab. Жан-Батист Карпо. Флора. 1873. Мрамор.
Фото 98. Огюст Роден. Брат и сестра. Франция. 1890(?). Бронза.
Фото 99. Камиль Коро. Шато Тьерри. Франция. 1863. Коро сыграл ключевую роль в развитии пейзажной живописи, в его работах одновременно просматриваются и неоклассическая традиция, и грядущие пленэрные инновации импрессионизма.
Фото 100. Камиль Коро. Мост в Манте. Франция. Ок. 1868-1870. По сравнению с импрессионистами, пришедшими позже, палитра Коро сдержанна, в ней преобладают коричневые и чёрные цвета («запрещённые цвета» у импрессионистов), а также тёмно- и серебристо-зелёные. В своём неприятии ярких цветов Коро резко отличался от набирающих популярность импрессионистов, которые экспериментировали с яркими оттенками.
Фото 101. Камиль Коро. Ивовая роща. Франция. Ок.1870. Один из критиков писал, что у Коро «есть только одна октава, крайне ограниченная и в минорной тональности...Он едва ли знает больше одного времени суток, утра, и одного цвета, бледно-серого».
Фото 102. Камиль Коро. Дорога в Виль д'Авре. Франция. 1874. Отвечая критикам своих колористических предпочтений, Коро писал: "...больше всего я люблю общий эффект, гармонию тонов, в то время как цвет производит своего рода шок, который мне не нравится. Возможно, именно из-за избытка этого принципа люди говорят, что у меня свинцовые тона". За свою долгую и продуктивную жизнь Коро написал более 3000 картин и, как пошутил один из искусствоведов, «десять тысяч из которых были проданы в Америке». Коро - один из самых подделываемых художников.
Фото 103. Шарль-Франсуа Добиньи. Ветряные мельницы в Голландии. 1871. Как и Камиль Коро, Добиньи относится к барбизонской школе, которая состояла из художников-пейзажистов. Она получила свое название от местечка Барбизон - небольшой деревни в лесу Фонтенбло, где долгое время жили многие представители барбизонской школы. Пейзажи художников школы - спокойные по цветовой гамме, они весьма реалистичны, но и не лишены романтики.
Фото 104. Жан-Франсуа Милле. Радуга. Париж. Ок.1872-1873. Милле особенно известен картинами, на которых изображены крестьяне-фермеры, но к концу своей карьеры он стал больше интересоваться написанием пейзажей в чистом виде. Мотив этой пастели — приход весны.
Фото 105. Анри Фантен-Латур. Натюрморт или «La Table Garnie». Франция. 1866. Натюрморты этого художника пользовались большой популярностью, особенно у англичан.
Фото 106. Анри Фантен-Латур. Чтение. Франция. 1870. Слева на картине, погруженная в чтение, - Виктория Дюбур, будущая жена художника. Справа - ее сестра Шарлотта, которая пристально смотрит на зрителя и/или художника. Несмотря на то, что сестры на картине изображены рядом, возникает ощущение, что они вовсе не близки между собой.
Фото 107. Эдуард Мане. Мальчик с вишнями. Франция. Ок. 1858. Жизнерадостность модели скрывает трагедию судьбы этого мальчика. Александр, который мыл кисти Мане и иногда позировал ему, в конечном итоге покончил с собой в возрасте пятнадцати лет в студии художника на улице Лавуазье. Одна из самых ранних работ Эдуарда Мане.
Фото 108. Эдуард Мане. Мальчик, пускающий мыльные пузыри. Париж. 1867. Можно принять изображенное за незамысловатую жанровую сцену, а можно припомнить, что на протяжении нескольких веков мыльные пузыри рассматривали как символ краткости человеческой жизни, быстротечности красоты и неизбежности смерти.
Фото 109. Эдгар Дега. Автопортрет или «Degas Saluant». Франция. Ок. 1863.
Фото 110. Эдгар Дега. Портрет Анри Мишеля-Леви. Франция. 1878. На картине изображен художник Анри Мишель-Леви, по-видимому, в собственной студии. Перед ним - мольберт и палитра с красками, манекен, а на стенах - фрагменты/эскизы картин художника в импрессионистском стиле.
Фото 111. Клод Моне. Лодки. Франция. 1867.
Фото 112. Клод Моне. Натюрморт с дыней. Франция. 1872.
Фото 113. Клод Моне. Ледоход. Франция. 1880. Это одна из 18 работ, выполненных Моне в этом месте - на реке Сене в районе Ветёй, к западу от Парижа.
Фото 114. Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Камиллы Моне. Париж. Ок.1872-1874. Это портрет музы и жены художника Клода Моне. Он относится к периоду, когда Ренуар часто навещал семью Моне в Аржантёе.
Фото 115. Мэри Кассат. Носок. Ок.1891. Тема материнства составляет примерно треть всех работ этой американской художницы, которая большую часть своей взрослой жизни прожила во Франции, взаимодействуя с импрессионистами.
Фото 116. Эдвард Берн-Джонс. Зеркало Венеры. Англия. 1877. Бёрн-Джонс стилизовал свои произведения в духе итальянской живописи XV века (в частности, Боттичелли), поэтому его часто относят к прерафаэлитам (последователям живописной традиции, существовавшей до Рафаэля). На картине - группа девушек в разноцветных одеждах, глядящихся в небольшой пруд посреди полей. Декоративно и утонченно!
Фото 117. Эдвард Берн-Джонс. Купание Венеры. Англия. 1888. «Под картиной я подразумеваю красивый, романтический сон о чём-то, чего никогда не было, никогда не будет, в лучах ярче любого света, который когда-либо светил, и который на земле никто не может объяснить или запомнить, только желать, и фигуры божественно красивые...», - писал Эдвард Берн-Джонс. Он считал, что в искусстве больше ценятся красота и чувственный отклик, нежели моральное послание.
Фото 118. Джон Сингер Сарджент. Дама и дитя, спящие в лодке под ивами. Англия. 1887. Композиция явно импрессионистская по стилю. Сарджент сыграл центральную роль в развитии импрессионизма в Британии.
Фото 119. Альфред-Огюст Жаннио. «Весна», или «Посвящение Жану Гужону». Рим. 1919-1924. Эта скульптурная группа в стиле ар-деко была установлена перед самым посещаемым павильоном Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств 1925 года в Париже и вызвала большой энтузиазм у посетителей. Она посвящена скульптору эпохи Возрождения Жану Гужону (ок.1510–ок.1572). Скульптор изобразил Диана-охотницу в окружении нимф и с оленем у ног. Работа была приобретена Галустом Гюльбенкяном в 1939 году для его поместья Ле-Анкло в Нормандии, хотя она так и не была там установлена.
Всемирно известный французский художник-ювелир Рене Лалик (1860-1945) и Галуст Гульбенкян (1869-1955) познакомились в середине 1890-х и сохраняли дружеские отношения на протяжении 50-ти лет, до самой смерти ювелира. Коллекция из почти 200 предметов, изготовленных Лаликом, занимает привилегированное место в собрании Гульбенкяна. Рене Лалик, использовав в украшениях несовместимые на взгляд консерваторов такие материалы, как рог, бриллианты, пластик, стекло, золото..., произвел революцию в ювелирном дизайне в последнее десятилетие 19-го века.
Фото 120. Рене Лалик. Колье-чокер «Лесной пейзаж». Ок.1898–1899. Первым предметом, приобретенных Гульбенкяном непосредственно у художника, был вот этот - колье-чокер «Лесной пейзаж». На нем изображены деревья, вырезанные из золота, на фоне озера, выполненного из пластин опала (любимого камня Лалика), с усыпанными бриллиантами берегами.
Фото 121. Рене Лалик. Украшение для корсажа «Павлин». Ок.1898–1900. Это украшение покрыто эмалью оттенков синего и зеленого, материала, который очень любил Лалик, и украшено опаловыми кабошонами. Радужный опал присутствует во многих драгоценностях коллекции и был любимым камнем художника.
Фото 122. Рене Лалик. Пластина-чокер «Женская фигура» (на фото - слева). Ок. 1898–1900 гг. В центре изделия находится женское лицо, вырезанное из хризопраза, окруженное эмалевыми лентами и цветами.
Фото 123. Рене Лалик. Диадема «Петушок». Ок.1897–1898. Эта диадема сделана из золота, рога и эмали, с ограненным аметистом в клюве петуха. Это изделие примечательно своей изящной обработкой гребня в тонкой золотой сетке, а также эмалевой работой.
Фото 124. Рене Лалик. Подвески: Нимфа среди деревьев (вверху), Лес, Женское лицо, Орхидея (внизу). Ок. 1898 – 1900.
Фото 125. Рене Лалик. Украшение для корсажа «Стрекоза». Ок.1897–1898. Вероятно, самое впечатляющее украшение, когда-либо созданное Рене Лаликом, «изобретателем» современных ювелирных изделий. Оно было представлено с огромным успехом на Парижской выставке 1900 года, где художник добился абсолютного триумфа. Женщина-стрекоза из золота и эмали с крыльями из витражной эмали, украшенной бриллиантами. Из открытого рта насекомого с когтями грифона появляется бюст женщины, голова которой покрыта шлемом, украшенным двумя фигурами жуков. Это украшение сочетает в себе две повторяющиеся темы в творчестве Лалика, а именно: женскую фигуру и насекомое, в которое она превращается, порождая гибридное существо, одновременно привлекательное и отталкивающее в равной степени.
Фото 126. Еще одно колье с темой насекомых.
Фото 127. Рене Лалик. Пластина-чокер «Орлы и сосна». Ок.1899–1901. Золото, опалы и эмаль. Переплетение веток сосны с шишками скрывает силуэты двух орлов, покрытых темно-синей эмалью. Самый эффектный элемент - огромный квадратный кабошон опала в центре украшения.
Фото 128. Рене Лалик. Браслет "Совы". Золото, кальцедон, стекло и эмаль. Ок.1900–1901.
Фото 129. Рене Лалик. Диадема «Орхидеи». Ок. 1903–1904. Этот гребень в форме орхидеи сделан из рога (!) и слоновой кости. Этот цветок был очень популярен у ювелиров и художников эпохи модерна, но Лалик его выполнил из "неювелирного материала".
Фото 130. Диадема «Ветка орешника». 1900-1902. Рог, золото, серебро, лунный камень, эмаль.
Фото 131. Рене Лалик. Поднос с чернильницей «Пленение Деяниры». Ок. 1903 г. Серебро и стекло. Овальный по форме поднос, состоит из большой пластины скульптурного стекла, окруженной серебряной рамой. На подносе - скульптурная группа с изображением кентавра Несс, несущего на спине Деяниру, жену Геракла.