Прадо
Одной из основных целей нашего недавнего визита в Мадрид было посещение художественных музеев города, и прежде всего, музея Прадо, одного из крупнейших и значимых музеев европейского изобразительного искусства.
Основное здание, в котором сегодня располагается музей, начали строить в 1785 году по приказу Карла III - для размещения Кабинета естествознания и Академии наук. Последующие исторические события привели к изменению концепции использования этого здания, и по решению короля Фердинанда VII, в нем в 1819 году разместили Королевский музей живописи и скульптур.
Фото 1. Фасад главного здания музея и памятник Веласкесу перед ним. Это здание, построенное по проекту выдающегося архитектора Хуана де Вильянуэва, само по себе является памятником архитектуры.
Мадридский Королевский музей живописи и скульптур был открыт для публики в 1819 году и стал вторым художественным музеем в мире (после Лувра, который работает с 1793 года), предназначенным для широкой аудитории. Первоначальную основу собрания этого музея составили личные коллекции испанских монархов, хранившиеся до этого в различных дворцах.
Фото 2. Главный фасад украшен многочисленными колоннами, статуями и высоким портиком в центре. По бокам — квадратные павильоны с купольными сводами. Перед главным фасадом напротив бульвара Прадо установлен памятник выдающемуся испанскому художнику Диего Веласкесу.
Во второй половине XIX века этот музей из королевской собственности перешёл государству. Обширное собрание в 1872 году объединили с коллекцией мадридского Музея Тринидад, в котором хранилось конфискованное церковное имущество, а в 1971 году - с коллекцией Музея современного искусства.
Фото 3. Еще один вход в здание музея (с торца левого крыла), где расположены кассы.
После революции 1868 года Королевский музей переименовали в Национальный музей Прадо (Museo Nacional del Prado). По-испански рrado - это «луг», и нынешнее название этого музея буквально переводится как «музей в лугах», отражая характер места изначального его строительсва. Конечно, никаких лугов там уже нет в помине, но название за музеем закрепилось.
Фото 4. Напротив касс установлен памятник Франсиско Гойя со скульптурным воплощением его "махи обнаженной" у подножия пьедестала.
Королевские коллекции живописи собирались, отталкиваясь от личных вкусов того или иного монарха. Это объясняет, почему коллекция Прадо сконцентрирована больше на творчестве конкретных мастеров, чем на последовательном представлении художественных направлений мировой живописи. При этом творчество Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, Иеронима Босха, Питера Пауля Рубенса и Эль Греко представлено в экспозициях Прадо таким количеством полотен, равное которому трудно найти среди всех мировых музеев.
Музей Прадо нас очень огорчил категорическим запретом фотосъемки. Пришлось изворачиваться: коллекция у них просто великолепная, хотелось многое запечатлеть на память и…поделиться с коллегами. То, что нам пришлось действовать в "условиях сдерживания", наложило отпечаток и на подбор картин, включенных в этот альбом, и на качество снимков. Все фото сделаны телефоном, в технике "от бедра":). Но "улов" получился неплохим, и мы его дополнили из сети тремя картинами, без которых Прадо немыслим. Давайте посмотрим, что нам удалось, и начнем с самой ранней из попавших к нам в фотообъектив работы.
Фото 5. Фра Анжелико (ок.1395 -1455). Мадонна с гранатом. Около 1426 г. Это одно из недавних приобретений музея (не пожалевшего 80 млн евро), находившихся ранее в частной коллекции герцогов Альба. Плоды граната имеют множественную символику в искусстве. В данном контексте горсть кроваво-красных зёрен в руке Младенца символизирует будущие Страсти Христовы во имя людей, с последующим воскрешением и бессмертием.
Фото 6. Ян ван Эйк (ок.1380/1390 -1441), мастерская. Фонтан благодати и торжество Церкви над Синагогой. 1440-1450. Единственная, но и одна из самых интригующих картин фламандца Яна ван Эйка в коллекции Прадо. На полотне выделяются три уровня, на каждом из которых изображена терраса с различными персонажами.
Фото 7. В верхней части изображён Бог Отец на престоле – между Девой Марией и Иоанном Евангелистом. Агнец Божий (одно из именований Христа) лежит перед Богом на пьедестале, из-под которого течет Благодатная вода (символизирующая обряд крещения) - к Фонтану жизни на самой нижней террасе. В средней части полотна изображены ангелы-музыканты.
Фото 8. В самой нижней части полотна, слева – группа безмятежных христиан, а справа – метущиеся и гонимые иудеи, у одного из которых завязаны глаза. Вода становится символом Благодати (спасения) и освящает торжество Церкви, ослепляя Синагогу, т.е. иудеев, не признающих христианство.
Фото 9. Рогир ван дер Вейден (ок.1399-1464). Снятие с креста. ок. 1435—1440. Это центральная часть триптиха, боковые створки которого не сохранились. Основной центр композиции — Христос и Дева Мария, падающая в обморок. Изображая Богородицу, Ван дер Вейден нарушил ранее существовавшие каноны, придав телу Святой Девы необычное положение, практически повторяющее позу Христа. Рука Богоматери указывает на череп Адама, подчеркивая идею искупительной жертвы её Сына. Выдающееся по эмоциональному воздействию произведение голландского мастера!
Фото 10. Ханс Мемлинг (ок.1433-1494). Триптих "Поклонение волхвов". 1470-1472. Картина Мемлинга изображает три момента из раннего детства Иисуса. Левая панель — «Рождество», на которой Дева Мария и два ангела поклоняются Младенцу. За спиной у Богородицыы - святой Иосиф. Центральная панель - «Поклонение волхвов» - дает название всей работе, и в ней находится одно из первых изображений чернокожего волхва во фламандском искусстве. На правой панели изображено «Принесение Младенца в храм» (Сретенье).
Фото 11. Альбрехт Дюрер (1471-1528). Автопортрет. 1498. Здесь художнику 26 лет, он недавно вернулся из Италии, где ощутил себя известным живописцем и гравером, а не провинциальным ремесленником, как на родине, в Германии. На автопортрете он изображён слегка высокомерным и щёгольски одетым молодым человеком-аристократом.
Фото 12. Альбрехт Дюрер (1471-1528). Адам и Ева. 1507. Дюрер написал эти картины, вернувшись из очередного путешествия по Италии и под впечатлением от искусства античности, изобразил идеальные пропорции тел Адама и Евы. Этот диптих считается первой картиной обнаженной натуры в натуральную величину в немецком искусстве. Любопытно, что в 18-м веке король Карл III приказал его сжечь, как и другие изображения обнаженной натуры, - за их якобы непристойное содержание. Однако, по совету своих приближенных, все же решил передать работы Академии изящных искусств Сан-Фернандо, чтобы использовать их для обучения молодых художников.
Фото 13. Ганс Бальдунг (1480-1545). Три возраста и Смерть. 1540-1543. Картина-аллегория немецкого художника, ученика Альбрехта Дюрера, отражает философские идеи о неизбежности смерти и скоротечности молодости. Невинный младенец, молодая красотка и немощная старуха символизируют три стадии человеческой жизни. Фигура-скелет, олицетворяющая смерть, держит песочные часы - символ неумолимо утекающего времени. У Ганса Бальдунга есть несколько полотен на эту тему, находящихся в разных собраниях. Эта - одна из последних.
Музей Прадо - обладатель роскошной коллекции голландца Иеронима Босха, единственного в своём роде мастера в средневековой европейской живописи. Одни считают Босха кем-то вроде сюрреалиста на стыке 15-16 веков, извлекавшего свои поразительные по изобретательности формы и образы из глубин подсознания, и ассоциируют его с Сальвадором Дали. Другие полагают, что искусство Босха отражает средневековые «эзотерические дисциплины» — алхимию, астрологию, чёрную магию. Третьи связывают художника с различными религиозными ересями, существовавшими в ту эпоху. Большим поклонником Босха был испанский король Филипп II, и именно благодаря ему в Прадо находятся главные шедевры художника.
Фото 14. Иероним Босх (ок.1450-1516). Триптих "Воз сена". 1512-1515. Считается, что картина иллюстрирует старинную голландскую пословицу: "Мир — это стог сена: каждый хватает сколько сможет". То есть основная тема триптиха - торжество алчности в современном художнику мире. Род людской предстаёт погрязшим в грехе, забывшим божественные настановления и безразличным к своей будущей участи. Эта работа считается одной их главных сатирико-нравоучительных аллегорий уже зрелого художника.
Фото 15. На центральной панели художник изображает человечество, идущее за телегой с сеном, влекомое грехом. Отдельные участники этого движения хватают охапки сена с воза или даже дерутся за него. За людской суетой сверху безразлично и отстранённо наблюдает Христос, окружённый золотым сиянием. Никто, кроме ангела, молящегося на верху воза, не замечает ни Божественного присутствия, ни того, что телегу влекут демоны. Художник показывает, что человек, независимо от его социального статуса или происхождения (за возом сена следуют верхом даже император в короне и римский папа в тиаре), настолько одержим желанием наслаждаться и приобретать материальные блага, что позволяет Демону себя соблазнить. Алчность заставляет людей лгать и обманывать: в самом низу, слева, мальчик ведёт за руку мужчину, который притворяется слепцом, вымогая подаяние. Лекарь-шарлатан в центре выложил на стол свои дипломы, склянки и ступку, чтобы поразить воображение легковерной жертвы. В правом нижнем углу монахини накладывают сено в мешок под наблюдением сидящего за столом монаха, чьё объёмное брюхо свидетельствует о чревоугодии. Наверху воза с сеном музицирующий демон поощряет две похотливые парочки.
Фото 16. Весь триптих посвящен греху, и на левой панели художник показывает его происхождение на примере первородного греха и истории изгнания Адама и Евы из Рая. В верхней части художник изобразил низвержение с небес восставших ангелов, превращаемых в мерзких насекомых.
Фото 17. Правая створка с "Адом" изображает все виды мучений за различные грехи, которые объединяет тема жадности. На подъёмном мосту, ведущем в башню, предназначенную для осуждённых душ, десяток бесов истязают несчастного грешника, посаженного верхом на корову. Остальная нечистая сила также занимается своими прямыми обязанностями — мучает грешников. И всё это - наказание за стремление вкусить побольше земных благ и чувственных удовольствий.
Один из главных шедевров Прадо — «Сад земных наслаждений» Иеронима Босха. Эту картину сфотографировать не было никакой возможности - из-за постоянных толп вокруг нее и приставленного к ней работника музея. Воспользуемся снимком из сети. Сам Иероним Босх никогда не давал названия своим работам. «Садом земных наслаждений» триптих назвали искусствоведы.
Фото 18. Иероним Босх (ок.1450-1516). Сад земных наслаждений. 1490-1500. Фото из сети. Это самое сложное и загадочное творение Босха с замысловатой композицией, огромным количеством локальных сюжетов и действующих лиц. Картина состоит из трех панелей, которые имеют своим общим знаменателем грех, берущий свое начало в левой части полона - в Раю с Адамом и Евой, и получающий свое заслуженное наказание в Аду на правой панели. «Сад земных наслаждений» очевидно перекликается с «Возом сена», демонстрируя пессимизм Босха относительно людских нравов и судьбы человечества в целом.
Фото 19. Левая створка изображает последние три дня сотворения мира. В центре композиции - Источник Жизни, вокруг него - мирно пасущиеся разнообразные живые существа. На переднем плане изображён моложавый Бог, представляющий Еву ошарашенному Адаму. Адам рассматривает свою новообретённую женщину с неподдельным (и, как некоторые считают) чувственным интересом.
Фото 20. На первый взгляд, центральная часть - это продолжение земного Рая, поскольку художник использует для них единый пейзаж, аналогичную колористику и освещенность. Но у Босха - это ложный Рай, отданный греху похоти. Обширное пространство сада заполнено обнажёнными мужчинами и женщинами, которые лакомятся дарами природы, играют с птицами и животными, плещутся в воде и, в некоторых случаях, предаются разнообразным любовным утехам. Вероятно, для Босха "сад земных наслаждений" ассоциировался с миром похоти. Такого мнения придерживаются многие наблюдатели, включая искусствоведов Прадо. Однако историки искусства 20-го века расходятся во мнениях относительно того, является ли центральная панель триптиха моральным предостережением или панорамой потерянного рая, в котором люди жили безмятежно и счастливо.
Фото 21. В правой створке запечатлены устрашающие образы всего произведения Босха: сложные машины для пыток и чудовища, порождённые его фантазией. И в аду наказываются все смертные грехи - жадность, зависть, обжорство, похоть...
Фото 21a. В этом фрагменте картины центральный персонаж - гигантское чудовище с птичьей головой, поглощающее грешников и затем низвергающее их тела в выгребную яму. Туда же скупец осужден вечно испражняться золотыми монетами, а другой, судя по всему, обжора — безостановочно изрыгать съеденные лакомства. Иногда правую панель триптиха называют «Музыкальным Адом» - из-за изображений инструментов, использованных здесь самым необычным образом: на арфе распят один грешник, рядом лютня становится орудием пытки другого, лежащего ничком «музыканта», на ягодицах которого оттиснуты ноты мелодии. Её исполняет хор проклятых душ во главе с регентом — монстром с рыбьей головой.
Ненадолго отойдем от голландской коллекции и обратимся к итальянскому собранию Прадо - второму по объёму в его коллекции.
Фото 22. Рафаэль Санти (1483-1520). Святое семейство со святым Иоанном, или Дева Мария с розой. Ок. 1517 г. Святой Иоанн вручает Младенцу Христу ленту со словами «Agnus Dei», святой Иосиф на заднем плане наблюдает сцену. Латинское «Agnus Dei» — Агнец Божий — предсказывает будущие Страсти Христовы. Второе название картины (Дева Мария с розой) происходит от цветка на столе, хотя теперь цветок считается более поздним добавлением. Предполагают, что это полотно - алтарная панель для частной часовни, хотя заказчик неизвестен.
Фото 23. Рафаэль Санти (1483-1520). Портрет кардинала. 1510—1511. Этот портрет считается одним из безусловных украшений огромной живописной коллекции Прадо. Нам его снять не удалось, приводим фото с сайта музея.
Фото 24. Тициан (ок.1485/90-1576). Подношение Венере. 1518–1519. Полотно посвящено Венералии - древнеримскому обряду поклонения богине Венере, проводившемуся 1 апреля. В этот день женщины и мужчины приходили с подношениями Венере, рассчитывая на ее помощь в сердечных делах и браке. Передний план холста заполнен роем амуров, занятых обычными для этих игривых детишек делами. Амуры собирают яблоки, вероятно, чтобы сделать подношение богине Венере, чья статуя выделяется справа. Там же изображены две нимфы, присматривающие за ходом действа. Одна из них держит в руке зеркало - вероятно, намек на символику красоты.
Фото 25. Тициан (ок.1485/90 -1576). Вакханалия. 1523-1526. Вакханалия — так называли римляне оргические и мистические празднества в честь бога Вакха (Диониса). Картина Тициана представляет праздник жизни: мужчины и женщины устроили пикник, чтобы хорошенько развлечься: они выпивают, веселятся, ведут беседы и флиртуют. Самым привлекательным персонажем в композиции является нимфа-вакханка, великолепная женская обнаженная натура - в правом нижнем углу. Она, писал Джорджо Вазари, «так прекрасна, что кажется живой». Эта картина, с веселящимися и предающимися различным удовольствиям людьми, полностью противоречила тогдашнему религионому аскетизму. Тициан написал её для украшения дворца герцога Альфонсо I д'Эсте в Ферраре.
Фото 26. Пармиджанино (1503-1540). Портрет Пьера Марии Росси ди Сан-Секондо. Ок. 1535-1539. Фигура графа, в изысканной одежде по моде того времени, эффектно выделяется на золотом фоне парчи. О его военном статусе говорит рука на рукояти меча и статуя Марса, а стопка книг намекает на любовь графа к литературе.
Фото 27. Караваджо (1571-1610). Давид с головой Голиафа. Ок. 1600. Давид изображен в образе совсем юного мальчика (в соответствии с библейской историей), который с удивительным спокойствием держит голову Голиафа за волосы, собираясь забрать её с собой в Иерусалим. Эта картина была написана в начале карьеры художника. Два более поздних полотна Караваджо на эту же тему можно увидеть в Художественно-историческом музее в Вене и в римской Галерее Боргезе.
Снова вернемся к голландской/фламандской коллекции Прадо, составляющей большую долю собрания музея, наряду с испанской и итальянской коллекциями. И это не случайно: В 16-м веке часть территории современных Нидерландов и Бельгии, а также южной Италии была под контролем Испании, поэтому испанские монархи смогли собрать довольно внушительную коллекцию таких мастеров, как Питер Пауль Рубенс, Иероним Босх, Рогир ван дер Вейден и Антонис ван Дейк.
Фото 28. Питер Брейгель Старший (ок.1525-1569). Триумф смерти. 1562-1563. Перед нами - панорамный вид чудовищного ландшафта: земля в зареве пожаров, среди которых легионы скелетов сеют ужас, хаос и смерть, наступая на живых, тщетно пытающихся спастись - настоящий триумф смерти. Считается, что в этой картине Брейгель выразил тревогу и страх, царившие в Нидерландах после начала войны за независимость от испанского владычества, сопровождавшейся исключительной жесткостью испанских войск и инквизиции.
Фото 28a. Триумф смерти, фрагмент. Выжженная, бесплодная земля, лишенная всякой жизни, усеянная столбами с колесами пыток и виселицами.
Фото 29. Триумф смерти, фрагмент. Смерть изображена в виде скелета с косой, лихо скачущего на костлявой лошади прямо в гущу событий во главе своего "скелетного" войска. Она яростно косит людей огромной косой, и обезумевшая толпа устремляется в убежище, которое оказывается огромной ловушкой в форме гроба. В правом нижнем углу несколько смельчаков пытаются бороться со своей участью, а кто-то продолжает музицировать, не замечая происходящего. Но всё тщетно: все обречены на гибель.
Фото 29а. Триумф смерти, фрагмент. Жутковатое зрелище усиливает телега, полная черепов, которую тащит костлявая кляча с всадником-скелетом. Женщина, лежащая на пути повозки, держит в руке веретено и прялку - символы хрупкости человеческой жизни. За повозкой - группа мертвецов, одетых в белые тоги, дует в длинные трубы - намёк на наступление Судного Дня? В левом нижнем углу лежит фигура в королевской мантии, которой один из скелетов показывает песочные часы - знак близкой смерти. А другой скелет добрался до королевского золота, уже ненужного монарху.
Фото 30. Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Портреты апостолов. 1610-1612. Музей Прадо - счастливый обладатель портретов всех 12-ти апостолов, выполненных Рубенсом. Серия этих полотен выступает как единое целое, но в то же время Рубенс находит к каждому из них индивидуальный подход (меняя ракурсы, положения головы и рук, направление взглядов и т.п.), подчеркивая те или иные аспекты жизни этих персонажей.
Фото 31. Апостол Пётр изображен с ключами в руках и одет в папскую тунику с тремя крестами (как первый глава Церкви). Он направляет свой взгляд к небесам, и он единственный из апостолов в этой серии, кто получает у Рубенса "божественный свет", идущий сверху.
Фото 32. Апостол Фома погружен в чтение книги. На плечо святого опирается копье - символ мученичества, которому он был подвергнут. Свет, падающий справа, выделяет его лицо на темном монохромном фоне.
Фото 33. Святой Матфей - один из самых выразительных апостолов во всей серии. В западной иконографии его обычно изображают с топором; возможно, в знак его мученической кончины.
Среди полотен испанской коллекции музея почетное место принадлежит 40 работам Эль Греко, 48 картинам Веласкеса (это более 40% всего им написанного), 130 полотнам Гойи.
Фото 34. Эль-Греко (1531-1614). Троица. 1577-1579. Эта работа венчала главный алтарь монастыря Санто-Доминго-эль-Антигуо (Толедо) и была одним из первых заказов, полученных Греко по прибытии в Испанию. В окружении ангелов Бог Отец принимает тело Своего Сына, а вверху парит голубь - символ Святого Духа: своего рода мужская Пьета. Уже в этой ранней работе присутствуют уникальные черты, которые определили творчество Эль Греко и составили его фирменный язык: удлинение пропорций и ракурсный излом человеческой фигуры, особенная колористика.
Фото 35. Эль-Греко (1531-1614). Св.Антоний Падуанский. 1580. На полотне изображен Антоний Падуанский (одна из важнейших фигур у францисканцев) с его стандартными атрибутами: лилией, открытой книгой и изображением Младенца Христа.
Фото 36. Эль-Греко (1531-1614). Святые Андрей и Франциск. Ок.1595. Под небом, покрытом грозовыми облаками свинцово-серого цвета, Св. Андрей (слева, с характерным крестом) и Св. Франциск Ассизский (справа, в традиционном францисканском одеянии) ведут беседу, сопровождая её жестами рук.
Фото 37. Эль-Греко (1531-1614). Распятие. 1597-1600. Это полотно - одна из самых оригинальных версий популярного сюжета христианской иконографии. Христос только что скончался на кресте, рядом стоят опустошенные Дева Мария и св.Иоанн. А в это время Мария Магдалина и три ангела заняты сбором крови Христа, вытекающей из его ран. Черное, как само зло, небо, разрываемое вспышками молнии, окружает сцену, в полном соответствии с библейским тектом, согласно которому ясный день сменился ночною тьмой когда Христос перестал дышать. Полотно было написано для главного алтаря августинской семинарии Colegio de la Encarnación (Мадрид).
Фото 38. Диего Веласкес (1599-1660). Сдача Бреды. 1634-1635. На картине изображена передача ключей от города Бреда, произошедшая после подписания в 1625 году голландской капитуляции. Этому предшествовала 9-ти месячная осада Бреды испанскими войсками. Соответственно, в центре внимания находится не военное противостояние, а момент примирения сторон. Испанская сторона проявила при этом уважение и милосердие по отношению к поверженным голландцам, что хорошо показано Веласкесом. Второе название полотна - «Копья» - обусловлено тем, что почти четверть холста занимает изображение копий испанской армии, составляющее важную часть композиции. «Сдача Бреды» — одно из двенадцати батальных полотен, созданных для увековечения памяти о победах войск Филиппа IV. Все они предназначались для дворца Буэн-Ретиро.
В Прадо можно увидеть и самую известную и загадочную картину Диего Веласкеса с необычной композицией — «Менины». Она составляет гордость коллекции музея. Сфотографировать ее не было никакой возможности: рядом постоянно стоял наблюдатель, немедленно пресекающий любые попытки включить телефон. Приводим снимок с сайта музея.
Фото 39. Диего Веласкес (1599-1660). Менины. 1656—1657. Фото с сайта музея. Общепринятой трактовки картины не существует, но большинство искусствоведов считает, что королевская пара позирует Веласкесу для совместного портрета, их дочь-инфанта наблюдает за процессом, а сама картина изображает взгляд монархов на происходящее. Пять персонажей смотрят прямо на короля с королевой (и, соответственно, на зрителя), вкупе с отражением в зеркале, подтверждая монаршее присутствие за пределами пространства картины. Вот такая сложная и загадочная композиция у этой картины, ставшая предметом многочисленных исследований.
Фото 40. Менины, фрагмент. В центре дворцового пространства, искусно выстроенного с помощью перспективы, стоит пятилетняя инфанта Маргарита в окружении двух фрейлин (менин). Здесь же, в правом углу - два карлика, служившие придворными шутами. Сам Веласкес изображён слева, у мольберта с огромным холстом. Художник, вероятно, пишет портрет Филиппа IV и его супруги Марианны, отражение которых видно в зеркале, висящем на дальней стене. Как написал один искусствовед, «Невозможно окинуть всех персонажей одним взглядом. И не только из-за размеров в натуральную величину, но и благодаря развороту голов в разные стороны, заставляющему наш взгляд блуждать. Для понимания образов следует рассматривать их последовательно, в контексте разворачивающегося действа, которое ещё не завершено и представляет собой, по сути, совокупность отдельных картин».
Фото 41. Хуан Карреньо де Миранда (1614-1685). Карл II в доспехах. 1681. Этот портрет художник выполнил по случаю сватовства Карла II к французской принцессе Марии Луизе Орлеанской. Карл II Испанский стал последним и, вероятно, самым печально известным правителем из династии Испанских Габсбургов. Помимо того, что он был внешне уродлив, его физическая непривлекательность дополнялась психическим нездоровьем и слабым интеллектом: Карл II понёс наказание за упорное, в течение нескольких поколений, кровосмешение своих ближайших предков.
Фото 42. Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682). Непорочное зачатие. 1678. Мурильо за свою жизнь написал около двух дюжин полотен «Непорочного зачатия». Именно эта картина была выполнена им для севильского хосписа престарелых священников, но была реквизирована французами во время наполеоновских войн. В 1941 году правительство Виши обменяло ее на знаменитую работу Веласкеса «Портрет королевы Марианны Австрийской». С тех пор «Непорочное зачатие» находится в музее Прадо.
Фото 43. Один из залов Прадо с картинами Мурильо.
Фото 44. Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Непорочное зачатие. 1767–1768. Богородица, под чьими ногами изображен земной шар, парит в небе. Её окружают ангелы, белый голубь (символ Святого Духа) парит над её головой. Мария попирает ногами змея с яблоком в пасти, символизирующего первородный грех. Хотя композиция во многом перекликается с работами других испанских художников (в частности, Пачеко и Мурильо), Тьеполо нашел свой подход к образу Богородицы. Дева Мария изображена не как хрупкая девушка, благочестиво глядящая на небеса, а как сильная женщина, осознающая свою миссию.
Фото 45. Франсиско Гойя (1746-1828). Карл III в костюме охотника. Ок.1786-1788. Эту картину Гойя написал, еще не будучи придворным художником, но страстно желая им стать. Из писем Гойи известно, как бурно он радовался этому заказу, что не помешало ему изобразить короля без всякой идеализации. «Он отобразил Карла III таким, каким увидел его в действительности: уставшим, преждевременно постаревшим, со сгорбленными плечами, худым лицом, без зубов и кривоногим, а также с «шеей общипанной птицы» (Антон Ноймайр). Ноймайр явно недолюбливал Карла III: как можно разглядеть на этом полотне отсутствие зубов и кривые ноги?
Фото 46. Франсиско Гойя (1746-1828). Герцог и герцогиня Осуна и их дети. 1787–1788. Герцоги Осуна были среди первых покровителей Гойи, для которых он писал семейные портреты и кабинетные картины для их дворца Ла-Аламеда на окраине Мадрида.
Фото 47. Франсиско Гойя (1746-1828). Портрет графини Чинчон. Ок.1800. Графиня Чинчон была несчастливой женой всемогущего испанского премьер-министра Мануэля Годоя, который имел множество любовниц. Портрет, задуманный парадным, показывает зрителю живого и обаятельного человека.
Фото 48. Франсиско Гойя (1746-1828). Портрет семьи Карла IV. 1800-1801. Групповой портрет был завершен через год после того, как Гойя впервые стал придворным живописцем (это самая высокая должность, доступная испанскому художнику). Четырнадцать персонажей, которые изображены на картине «Семья», Гойя поместил в строгий интерьер без ковров, с двумя монументальными картинами на стене. Слева на заднем плане - автопортрет художника.
Фото 49. Франсиско Гойя (1746-1828). Маха обнажённая. Ок. 1795—1800. «Маху обнажённую» считают одним из ранних произведений западного искусства, изображающих полностью обнажённую женщину без мифологических или отрицательных коннотаций - не богиню и не куртизанку. Гойя создал тип притягательной, естественной красоты простой горожанки, можно сказать, образ новой Венеры современного ему общества. Правда, открытый показ публике этого полотна был невозможен, и тогда появилась "Маха одетая"...
Фото 50. Франсиско Гойя (1746-1828). Маха одетая. Ок. 1800—1805. Заказчиком "Махи обнаженной" и "Махи одетой" выступил всесильный и всевластный Мануэль Годой - премьер-министр Испании, фаворит королевской четы, - для своей частной коллекции обнажённой натуры (возможно, на обеих картинах изображена его любовница). Премьер-министр устраивал своим гостям "демонстрацию с сюрпризом": он подводил ничего не подозревающего посетителя к "Махе одетой", давал ему полюбоваться шедевром Гойи, а после, "легким движением руки" приводил в действие хитроумный механизм, и перед изумленным гостем представала "Маха обнаженная". Но кто-то из недоброжелателей раскрыл Инквизиции этот секрет, и в 1808 году «Маху обнажённую» конфисковали. Премьер-министр предстал перед судом, где вынужден был раскрыть имя художника. Гойе были предъявлены обвинения в безнравственности и создании "крайне неприличных и представляющих серьезную угрозу общественным интересам произведений искусства". Но обошлось без наказания художника, ведь Инквизиция к этому времени уже не имела прежней неограниченной власти. А обе "Махи" в конце концов оказались в музее Прадо, где мы ими и любуемся.