Палаццо Питти

Палаццо Питти (Palazzo Pitti) — самый большой из дворцов во Флоренции. Первоначально (начиная с 1458 года) он служил резиденцией амбициозного флорентийского банкира Луки Питти, затем (с середины 16-го века) - великих герцогов Тосканских (из родов Медичи, а позже - Габсбургов Лотарингских). А после объединения Италии во второй половине 19-го века дворец около 50 лет служил апартаментами итальянских королей. С 1919 года Палаццо Питти – это государственный музей, а точнее - один из самых крупных музейных комплексов Флоренции.

Фото 1. Главный фасад дворца Питти, выходящий на одноименную площадь, протянулся на 205 м. Центральная его часть была построена в 1458-1464 гг., а два боковых крыла добавлены в 18-м веке.

В 140 комнатах дворца, на 32 тыс. кв.м. площади, располагаются пять (на момент написания этого текста) музеев: Палатинская галерея с императорскими и королевскими апартаментами, сокровищница Великих герцогов, Галерея современного искусства, Музей русских икон (с Палатинской часовней), Музей костюма и моды.

Этот фотоальбом посвящен исключительно Палатинской галерее - главному художественному музею этого дворца с совершенно выдающейся коллекцией из более 500 картин преимущественно эпохи Возрождения. Ни в одном музее мира нет стольких картин Рафаэля, как здесь (их 11); кроме того, в галерее представлены замечательные работы Тициана, Тинторетто и Джорджоне, Рубенса и Ван Дейка, Караваджо и Мурильо, а также произведения флорентийских маньеристов. Абсолютное большинство этих работ когда-то были частью частных коллекций Медичи и их преемников.

Фото 2ab. Баччо Бандинелли. Бюст Козимо I Медичи. 1554—1558. Бронза. Бандинелли был придворным мастером герцога Козимо I Медичи, а после отбытия Микеланджело в Рим — первым скульптором Флоренции, при этом «по совместительству» - главным соперником и заклятым врагом Бенвенуто Челлини.

Палаццо Питти и Галерея Уффици с 2014 года имеют общую администрацию, и видимо, упрощенный и постоянный обмен произведениями искусства. По крайней мере, в Уффици мы видели несколько картин, "прописанных" в Палатинской галерее (например автопортрет Рафаэля и его же двойной портрет четы Дони). В то же время, в Палаццо Питти в это время были представлены несколько работ из фондов Галереи Уффици.

Многие залы дворца, оформленные фресками и лепниной в стиле барокко знаменитым Пьетро да Кортона, уже сами по себе – тоже произведения искусства. И конечно, пышное убранство помещений Палатинской галереи создаёт просто ошеломляющий фон для уникальных художественных произведений этого музея. Многочисленные скульптуры, вазы, флорентийская мозаика – все это усиливает впечатления от великолепной живописи.

Фото 3a. Интерьеры Палатинской галереи.
Фото 3b. Лоренцо Бартолини. Милосердие воспитующее. Мрамор. 1824.

Фото 4. Один из интерьеров в Палатинской галерее. В центре - монументальная ваза высотой 2м. Севрский фарфор. 1784.

Фото 5. Пьетро да Кортона. «Триумф Медичи». Потолочная фреска в Зале Марса. 1643-1647.

Фото 6. Белый зал дворца Питти. Оформлен в 1776-1783 гг.

Одна из особенностей Палатинской галереи – это сохранившаяся с прежних времен развеска картин, служившая чисто декоративным целям и основанная на вкусах прежних владельцев дворца. Так что и сейчас произведения искусства в галерее развешаны в несколько рядов (и в верхнем ряду - не обязательно второстепенные авторы и работы), без соблюдения хронологической последовательности их создания, а также принадлежности к определенным художественным стилям. Сказать по-простому: вперемешку. При подготовке этого фотоотчета мы все-таки придерживались более логичного порядка представления живописных работ, чем прежние владельцы дворца (простите, Медичи!).

Фото 7. Во дворце Питти - дворцовая развеска картин (в 2-3-4 ряда) развеска картин...Даже на этом фото видно, как бликуют многие полотна...

Помимо дворцовой развески картин, и неидеальное (мягко говоря) освещение создает туристу проблемы. Не припомним другого музея, где приходилось так исхитряться в поисках ракурса, чтобы уменьшить блики и отражения на снимках. Во многих случаях это не удалось. Иногда приходилось и обрезать фотографии, оставляя только главный сюжет картины. Так что не судите строго...

Фото 8-8a. Филиппо Липпи (1406–1469). Мадонна с Младенцем и сцены жизни Св. Анны. 1452–1453. Младенец показывает Матери кроваво-красное зернышко граната — символа его будущей искупительной жертвы. На заднем плане - две сцены из жизни Св. Анны - матери Мадонны: встреча с мужем, Св. Иоакимом, у Золотых ворот Иерусалима (справа) и рождение Марии (слева).

Фото 9. Сандро Боттичелли (1445–1510). Портрет молодой женщины, фрагмент. Около 1485. Это традиционное для итальянской портретной живописи изображение в профиль, характерное для периода раннего Возрождения.

Фото 10. Пьетро Перуджино (1450-1523). Мадонна, ангел и маленький Иоанн Креститель, поклоняющиеся Христу (Мадонна дель Сакко). 1490-е.

Фото 11. Пьетро Перуджино (1450-1523). Оплакивание Христа (Снятие с креста), 1495. Эту картину относят к лучшим работам мастера. Многофигурная композиция составлена очень умело. В центре - Пресвятая Дева держит одну из рук Иисуса, с жалостью глядя на него. Над ней изображена Мария Магдалина в ярко-красных одеждах, образующая одну из трех вершин идеального треугольника (остальные - Иосиф, слева, за спиной Христа, и Никодим - справа, у ног Христа). На заднем плане изображен умиротворяющий пейзаж - на контрасте с драматизмом сюжета картины.

Фото 12. Фра Бартоломео (1472-1517). Оплакивание Христа. 1512. Считается, что эта работа доминиканского монаха была вдохновлена одноименной картиной Перуджино (см. выше).

Фото 13ab. Рафаэль Санти (1483–1520). Мадонна с Младенцем (Мадонна дель Грандука). Около 1505. Во время своего пребывания во Флоренции молодой Рафаэль создал около полутора десятков Мадонн с Младенцем. Это одна из них, получившая второе название по титулу ее владельца — Фердинанда III Лотарингского, эрцгерцога («granduca») Тосканского. Гармония и естественность. Шедевр на все времена!

Фото 14. Рафаэль Санти (1483–1520). Портрет беременной женщины. Около 1505. Долгое время этот портрет приписывался неизвестному художнику. Ныне большинство искусствоведов считают, что автор работы - Рафаэль. Изображения беременных женщин были необычны в эпоху Возрождения.

Фото 15-15a. Рафаэль Санти (1483–1520). Мадонна в кресле. Около 1513. Рафаэля можно назвать «мастером Мадонн», так как он создал более сорока картин с изображением Девы Марии. Все они разные, все прекрасны. Но «Мадонну в кресле» специалисты выделяют особо. Автор знаменитой «Истории искусства» Эрнст Гомбрих писал, что Рафаэль в этой работе сумел соединить в гармоничное целое круговую схему композиции (тондо) с натуральностью и нежностью материнских объятий.

Фото 16. Рафаэль Санти (1483–1520). Мадонна с Младенцем и святыми (Мадонна с окном). Около 1513. Слева от Младенца - сидящая Св. Елизавета (мать Иоанна Крестителя, также присутствующего на полотне). Выше - Св. Екатерина Александрийская, которая протягивает Христу указательный палец. Это распространённый сюжет мистического обручения Св. Екатерины с Небесным Женихом.

Фото 17. Рафаэль Санти (1483–1520). Портрет Томмазо Ингирами. Около 1515. Томмазо Ингирами — ученый-гуманист, писатель, хранитель папской библиотеки в Ватикане. Поэтому на переднем плане - орудия его труда (бумага и перо, книги). Томмазо Ингирами страдал косоглазием, но Рафаэль «удачно обыграл» этот его физический недостаток, направив взгляд героя вправо и вверх.

Фото 18. Рафаэль Санти и помощники. Портрет кардинала Биббиены. Около 1516. Работая над портретами, Рафаэль, несмотря на одинаковый композиционный прием — поясное изображение модели с разворотом в три четверти — и схожий колорит, достиг удивительного разнообразия образов. Вот и этот портрет совсем не похож на предыдущий.

Фото 19. Рафаэль Санти (1483–1520). Донна Велата (Дама с вуалью). Около 1512-1515. Это один из самых известных женских портретов Рафаэля. Большинство исследователей сходятся во мнении, что моделью для этой картины послужила Форнарина – легендарная возлюбленная Рафаэля. Помимо прелестного женского лица, невозможно не обратить внимания на виртуозно выписанный изумительный наряд героини. Название картины происходит от одной из деталей ее наряда — спускающейся с головы вдоль плеч вуали (итал. «velata» — «окутанная вуалью»).

Фото 20. Рафаэль Санти (1483–1520). Видение пророка Иезекииля. Около 1518. Картина посвящена одной из глав Библии, в которой рассказано о видении иудейскому пророку Иезекиилю. Его крохотную фигуру Рафаэль поместил в нижней левой части полотна, направив на него яркий луч света. Среди огня и сияния Иезекииль рассмотрел священную группу, включающую орла, ангела, льва и быка (изображающих четверых евангелистов). Над ними - Бог-Отец, окруженный двумя херувимами.

Фото 21. Рафаэль Санти (1483–1520). Молодой человек с яблоком. Около 1504. Один из ранних портретов работы Рафаэля, изображающий, как предполагают, 14-летнего Франческо Марию делла Ровере, усыновленного герцегом Урбино. Это одна из картин, как и следующие две, с постоянной «пропиской» в Уффици.

Фото 22. Рафаэль Санти (1483–1520). Портрет Перуджино. Около 1504-1508. Рафаэль, как известно, был учеником Перуджино. Стилистика мастера оказала на Рафаэля очень заметное влияние, особенно на раннем этапе его творчества.

Фото 23. Рафаэль Санти (1483–1520). Портрет папы Льва Х с двумя кардиналами. Около 1518-1520. Этот «групповой портрет», который в свое время произвел фурор, считается одним из величайших портретных полотен 16-го века. В центре картины - фигура папы Льва Х. Рафаэль даже не пытается идеализировать черты полноватого понтифика, а вместо этого создает психологический портрет могущественного политического и духовного лидера в минуты сомнений. Папа недоволен и обеспокоен, что не удивительно: на фоне рутинных интриг и происков соперников в тот период у него появился новый серьезный враг - Мартин Лютер, активно критиковавший Льва Х за массовую торговлю индульгенциями.

Фото 23a. Рафаэль Санти. Портрет папы Льва Х с двумя кардиналами, фрагмент. Про изумительное мастерство, с которым написан этот шедевр, лучше всего сказал Джорджо Вазари: «...Здесь и пушистая ворсистость бархата, и звонкие шелестящие переливы атласа на папе, и нежный трепет шерстинок на меховой опушке, и золото и шелк, изображенные так, что это уже не краски, а доподлинное золото и шелк...»

Фото 23b. Рафаэль Санти. Портрет папы Льва Х с двумя кардиналами, фрагмент. Джорджо Вазари продолжает: «...Здесь же и пергаментная книга с миниатюрами, которая живей самой жизни, и несказанно прекрасный серебряный колокольчик».

Фото 23cd. Рафаэль Санти. Портрет папы Льва Х с двумя кардиналами, фрагмент. Слева от папы - кардинал Джулио де Медичи (будущий папа Климент VII), а тот, что справа - кардинал Луиджи де Росси, приходившийся кузеном двум другим изображенным. «И в числе всего прочего, здесь и полированный золотой шар на спинке папского кресла, в котором как в зеркале (таков его блеск) отражаются и оконные проемы, и плечи самого папы, и окружающее его помещение; и все это выполнено с такой тщательностью, что ни один мастер не сделает, да и не сможет сделать это лучше» (Джорджо Вазари).

Фото 24. Себастьяно дель Пьомбо (ок.1485-1547). «Ecce Homo (Се человек)». 16-й век. Википедия называет Пьомбо «итальянским живописцем высокого Возрождения, сочетавшим колорит венецианской школы с монументальностью римской школы». После смерти своего соперника Рафаэля стал основным получателем художественных заказов римского понтифика.

Фото 25. Андреа дель Сарто (1486-1530). Диспут о Троице. Около 1517. Картина была написана по заказу монахов-августинцев. Именно поэтому на ней изображен Св. Августин (стоит крайний слева), основатель вышеупомянутого ордена и автор знаменитого трактата «О Троице», ведущий дискуссию с Петром-мучеником (он - с книгой в руках и в рясе доминиканца). С решеткой своего мученичества - Св. Лаврентий, крайний справа - Франциск Ассизский (в рясе своего ордена и со стигматами). Святая Троица изображена в верхней части картины. На переднем плане, сидящие к нам спиной - Св. Себастьян и Мария Магдалина.

Фото 26. Андреа дель Сарто (1486-1530). Святой Иоанн Креститель в детстве. Около 1525. Креститель изображен в героической позе - по образцу классических скульптур. На переднем плане, справа внизу - простой крест из связанного тростника. В правой руке у Иоанна - чаша, с помощью которой он совершал крещение.

Фото 27. Джорджоне (1478–1510). Три возраста. Около 1500. Хотя замысел автора достоверно неизвестен, распространена точка зрения, что вероятно на картине изображен один и тот же человек, представленный в три момента его жизни. В этом аллегорическом групповом портрете умудренный жизненным опытом персонаж пытливо смотрит в сторону зрителя, приглашая поразмышлять на тему Времени в человеческой жизни.

Фото 28. Тициан (ок. 1488–1576). Концерт (или Прерванный концерт). Около 1510. Это одна из ранних работ Тициана, вдохновленная, как считают, картиной Джорджоне «Три возраста» (см. выше). Даже если это и не так, оба полотна - про Время и Судьбу, которые однажды прерывают исполняемый человеком «концерт». Авторство Тициана стало общепризнанным только после реставрации картины в 1976 году. Лица молодого человека слева и стоящего справа монаха - не самые выразительные. Зато блестяще написан центральный персонаж. Вероятно, Тициан запечатлел конкретного человека, проявив мастерство, составившее ему славу одного из лучших портретистов в европейской живописи.

Фото 29. Тициан (около 1488–1576). Мужской портрет. Около 1520. На холсте изображен кто-то из братьев Мости — семейства, которое было связано с фамилией феррарских правителей д'Эсте. Внешняя и духовная красота персонажа в союзе с великолепным мастерством художника!

Фото 30. Тициан (ок. 1488–1576). Кающаяся Мария Магдалина. После 1530. Художник не раз обращался к этому образу. Самое известное полотно серии, написанное мастером в 1560-х, хранится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Образ на данной картине экспрессивнее внешне, чем петербургский, поскольку писал его художник, будучи на четверть века моложе.

Фото 31. Тициан (ок. 1488–1576). Женский портрет («La bella»). Около 1536. Имя изображенной на этом полотне, получившем условное название «La bella» («Красавица»), неизвестно. Однако лицо этой девушки узнаваемо и на других картинах Тициана разных лет. Так что, скорее всего, это — собирательный образ, отражающий эталон женской красоты художника.

Фото 32. Тициан (ок. 1488–1576). Портрет молодого англичанина. Около 1540–1545. Личность изображенного не установлена, хотя есть три кандидата на эту роль, и все - англичане. Отсюда и условное название работы.

Фото 33. Тициан (ок. 1488–1576). Портрет Пьетро Аретино. 1545. Тициан поддерживал с этим одаренным литератором дружеские отношения на протяжении трех десятилетий. На портрете Аретино выглядит монументально — именно так он и желал себя видеть. Величественный и надменный вид, роскошные бархатные одеяния, тяжелая золотая цепь уделают его похожим на богатого вельможу, хотя он был выходцем из низов.

Фото 34a-34b. Тициан. Папа Юлий II. 1545-46. Это великолепная копия со знаменитого портрета кисти Рафаэля. Оригинал картины Рафаэля находится в Лондоне, ну а это - копия, но не авторская, а Тициана. И какая копия!

Фото 35. Тициан (ок. 1488–1576) и помощники. Портрет короля Филиппа II, фрагмент. Около 1550.

Фото 36. Тициан (ок. 1488–1576) и помощники. Мадонна Мизерикордия (Мадонна милосердия). 1573. Богоматерь покрывает своим плащом собравшихся вокруг коленопреклоненных членов знатной венецианской фамилии, заказавшей художнику картину. Таким образом Мадонна демонстрирует им своё заступничество.

Фото 37. Тициан (ок. 1488–1576). Портрет Ипполито Медичи, фрагмент. 1533.

Фото 38.Тициан (ок. 1488–1576). Христос Спаситель. Около 1533.

Есть в галерее и картины художников-маньеристов. Маньеризм отличает некоторая вычурность живописной манеры: в частности, частое использование так называемой «змеевидной» линии, удлинённость или даже деформированность фигур, напряжённость поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с разномасштабностью фигур, освещением или усиленной перспективой, использование резкой, контрастной цветовой палитры, перегруженность композиции деталями. Хотя у искусствоведов нет единого мнения о том, самостоятельный это стиль - маньеризм - или прелюдия барокко, ярлычок «маньерист» прочно прикрепился к именам некоторых итальянских художников (Аньоло Бронзино, Франческо Сальвиати, Понтормо и др). Естественно, не на любой отдельно взятой картине художника-маньериста можно обнаружить абсолютно все вышеперечисленные особенности этого художественного стиля.

Фото 39. Понтормо (1494-1557). Десять тысяч мучеников. Около 1529-1530. Показаны разные варианты мучений: попадание в плен, обезглавливание мечом, распятие, хождение по гвоздям и т.д. На этой картине присутствуют многие характерные черты маньеризма, перечисленные выше.

Фото 40. Аньоло Бронзино (1503–1572). Портрет Гвидобальдо II делла Ровере. Около 1531–1532. Считается, что именно после написания этой картины к Аньоло Бронзино пришёл успех и слава. С 1533 года Бронзино - придворный художник семейства Медичи. Большая коллекция его картин находится в Уффици. По этому полотну и не догадаешься, что Аньоло Бронзино считается одним из классиков маньеризма в Италии.

Фото 41. Аньоло Бронзино (1503–1572). Портрет карлика Морганте. 1552. Этот двойной портрет выставлен в центре зала в стеклянном футляре, позволяющем увидеть фигуру персонажа спереди и сзади. В это время Бронзино был вовлечен в спор, начатый Джорджо Вазари: скульптура vs. живопись. И этим частным примером Бронзино пытался опровергнуть аргумент о том, что в скульптуре объект можно рассматривать с большего количества ракурсов, чем в живописи.

Фото 42ab. Аньоло Бронзино (1503–1572). Портрет карлика Морганте. Спереди мы видим этого любимца герцога Козимо I Медичи перед началом охоты: он держит в силке сову, которую собирается использовать как приманку для поимки летящей сойки. Пара редких бабочек с махаоновыми хвостами прикрывают его гениталии. На обратной стороне картины мы видим, как карлик после завершившейся охоты вот-вот повернется к зрителю, желая похвастаться своими трофеями. Так Бронзино доказывал, что живопись не только не уступает скульптуре, но даже в чем-то может ее и превзойти: мало того, что портреты в разных ракурсах, они еще и показывают разные моменты времени (до и после события).

Фото 43. Франческо Сальвиати. Три Парки (Le tre Parche). Около 1550. Художник изображает трех сестер - богинь судьбы, которых в Древнем Риме называли Парками. Одна из них прядет нить жизни, другая дает жребий, третья перерезает жизненную нить. У Сальвиати все они - востроносые старухи.

Фото 44. Франческо Сальвиати. Поклонение волхвов. Около 1550.

Фото 45. Федерико Бароччи (1535-1612). Портрет молодой женщины. Между 1570 и 1575 гг. Федерико Бароччи считается выдающимся колористом и виртуозом рисунка. Постоянная прописка картины - Уффици.

Фото 46. Тинторетто (1518–1594). Портрет Андреа Фризьер, канцлера Венеции. Во дворце Питти выдающийся венецианский художник Тинторетто представлен несколькими портретами.

Фото 47. Тинторетто (1518–1594). Портрет Альвизе Корнаро. Около 1560-1565. На картине - венецианский аристократ, проживший почти 100 лет и известный как автор трудов, посвящённых правильному питанию. На этом портрете ему хорошо за 90 лет. Это полотно долгое время приписывалось Тициану, чьими работами Тинторетто восхищался, хотя личные их отношения не сложились.

Фото 48. Тинторетто (1518–1594). Портрет Винченцо Дзено. Около 1560-1565. Тинторетто был самым плодовитым портретистом Венеции своего времени, и некоторые искусствоведы именно портреты считают лучшими творениями этого художника. Но есть и те, кто намного выше ставят его сюжетные, многофигурные полотна.

Фото 49. Тинторетто (?). Портрет монаха.

Фото 50. Веронезе (1528-1588). Человек в шубе, фрагмент. Около 1566. Вне зависимости от того, кто представлен на холсте (а его имя доподлинно неизвестно), художник отобразил высокий интеллект, сдержанность и сосредоточенность этого персонажа.

Фото 51. Веронезе (1528-1588). Крещение Христа. Около 1580. Многофигурная композиция со сложными ракурсами обоих главных персонажей.

Фото 52. Аннибале Караччи (1560–1609). Голова мужчины. 1595-1599. Этот живописец - один из ярких представителей болонской школы - оплота академического искусства в Италии XVI века.

Фото 53. Аннибале Караччи (1560–1609). Христос во славе со святыми и кардиналом Одоардо Фарнезе. Около 1597. Кардинал, изображенный в правом нижнем углу картины, был ее заказчиком.

Фото 54. Караваджо (1571–1610). Спящий Амур. 1608. Картина была написана в самый трудный период жизни Караваджо - после того, как он, обвиненный в убийстве, был объявлен «вне закона». Уехав в связи с этим на Мальту в 1607 году, Караваджо вступил в ряды рыцарей мальтийского ордена, дав обет безбрачия. Возможно, именно это - освобождение человека от своей чувственной природы - художник решил отразить в своей работе. Поскольку сон истолковывается как символ отрешенности от чувственности, то выбрав в качестве главного объекта Амура, бога любви (он же Купидон, сын Марса и Венеры), художник как бы изобразил образ отказа от человеческого влечения и страстей в квадрате.

Фото 55. Караваджо (1571–1610). Портрет Антонио Мартелли (Портрет мальтийского рыцаря). 1608–1609. Еще одна работа мастера, написанная в период его пребывания на Мальте.

Фото 56. Караваджо (приписывается). Зубодер. Около 1608–1610. Принадлежность данной работы кисти Караваджо не доказана, хотя живописная манера и использованные в ней мотивы в целом свойственны его искусству. Возможно, полотно исполнил кто-то из последователей мастера, утрировав его приемы. Сам Караваджо нередко обращался к бытовой тематике и даже для написания образов из Священной истории часто выбирал простолюдинов в качестве натурщиков.

Фото 57. Чиголи (1559-1613). Ecce Homo. 1607. Ecce Homo (букв. «вот человек; это человек»; цер.-слав. «се человек») - выражение с которым, согласно Евангелию от Иоанна, прокуратор Иудеи Понтий Пилат (он на картине слева) показал народу Иерусалима после бичевания Иисуса Христа, желая возбудить сострадание толпы. «Тогда вышел Иисус в терновом венце и в багрянице. И сказал им Пилат: «Се Человек!». Ранние работы Чиголи близки к маньеризму, в более поздних, как эта, заметно влияние Караваджо.

Фото 58. Кристофано Аллори. Юдифь с головой Олоферна. Около 1610-1612. «Юдифь» - наиболее известная работа художника и была популярна уже при его жизни, о чем свидетельствует большое число авторских повторений. В образе Юдифи художник изобразил свою возлюбленную, а Олоферну придал внешнее сходство с собой.

Фото 59. Джованни Ланфранко (1582–1647). Экстаз Св. Маргариты Кортонской. 1622. На картине изображена францисканская монахиня Маргарита, которая во время молитвы перед распятием вдруг увидела, как Спаситель склонил в ее сторону голову и указал рукой на Свои раны. Чудо, представшее взору женщины, и ее саму, переживающую блаженный внутренний восторг, и изобразил Джованни Ланфранко. Считается, что этот ученик академической школы братьев Караччи, испытывал влияние живописи Караваджо, в частности, его полотна 1596 года с изображением экстаза Св.Франциска. В свою очередь, эта картина Ланфранко, возможно, повлияла на дизайн скульптурной группы «Экстаз Св.Терезы» авторства Лоренцо Бернини (1645-1647) в церкви Santa Maria della Vittoria в Риме.

Фото 60. Джованни да Сан–Джованни (1592-1636). Венера, расчесывающая волосы Купидона. 1627. Считается одним из самых необычных представлений Венеры - в качестве любящей матери, которая вычесывает блох из волос своего сына Амура. В свое время картина вызвала скандал.

Фото 61. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Портрет Каспара Шоппе. Около 1604-05. Шоппе в период правления папы Климента VIII отличился злобностью своих писаний, направленных против протестантов.

Фото 62. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Четыре философа. 1611–1612. «Юст Липсий и его ученики» - второе название картины. Юст Липсий изображен в центре, под бюстом Сенеки. Его окружают его ученики - Ян Вавериус (справа от учителя) и Филипп Рубенс (брат художника, умерший в год написания картины). Крайним слева, за спиной у брата художник написал себя. Рубенс был единомышленником и другом остальных изображенных, поэтому эта картина имела для него особое значение.

Фото 63. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Воскресший Христос. 1616. Мощная плоть. Неожиданный образ.

Фото 64. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Святое семейство с маленьким Иоанном Крестителем (Мадонна с корзиной). Около 1615. Корзина, давшая картине ее второе название, на самом деле - это плетеная колыбель, в которой лежит младенец Иисус, за которым присматривают родители - Мария и Иосиф. Христос касается щеки маленького Иоанна Крестителя, рядом с которым - его мать, Св. Елизавета. Очень лирическое, даже сентиментальное полотно.

Фото 65. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Три грации. 1620-1623. На эту тему Рубенс сделал несколько эскизов, прежде чем написал свою знаменитую одноименную картину 1635 года. Это - один из таких эскизов в стиле гризайль. Гризайль (от фр. gris — «серый») — это вид искусства, в котором художник создает произведение с использованием различных оттенков серого или другого нейтрального цвета.

Фото 66. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Портрет инфанты Изабеллы Клары Евгении. 1625. После смерти своего мужа, эрцгерцога Альберта Австрийского, бездетная испанская инфанта стала монахиней и вплоть до своей смерти носила монашеское одеяние францисканского ордена Клариссы. В нем она и предстает на картине Рубенса. Известны три копии с этой картины.

Фото 67. Питер Пауль Рубенс (1577–1640). Последствия войны. 1637–1638. Из интернета (наш снимок не удался). «Последствия войны», также известная как «Ужас войны», была написана после разрушительной Тридцатилетней войны в Европе. Европу, измученную бременем войны, художник изобразил в образе девушки, воздевшей руки к небесам - призывая их в защитники. Но центральной фигурой в композиции выступает Марс, рвущийся в бой с поднятым щитом и обнаженным мечом. За его внимание борются двое: полнотелая богиня любви Венера (слева) и безобразная старуха с растрепанными волосами и поднятым вверх горящим факелом (это Алекто - воплощение гнева у греков и римлян). Беззащитность людей перед лицом разрушительных сил, болезней и голода, замолкнувшие музы (попранные книги, сломанная лютня) - всему Рубенс нашел свои символы на этом монументальном полотне.

Фото 68. Антонис ван Дейк (1599–1641). Портрет кардинала Гвидо Бентивольо. До 1623. Антонис ван Дейк, как известно, значительную часть своего творчества посвятил портрету и привнес в парадные полотна глубокий психологизм. Это, безусловно, одно из таких полотен. В этом портрете, созданном еще молодым художником, специалисты отмечают и его незаурядные колористические способности: красный цвет представлен во множестве оттенков.

Фото 69. Антонис ван Дейк (1599–1641). Карл I, король Англии, и его жена Генриетта. 1635. Этот двойной портрет – одно из многочисленных изображений британских монархов, созданных ван Дейком. Супруги на этом парном портрете изображены сами по себе - как на медальоне, где каждый существует в своём отдельном пространстве. Вместе с тем, нельзя не отметить, что между ними и много общего.

Фото 70. Антонис ван Дейк (1599–1641). Мужской портрет. Около 1638. Имя изображенного персонажа неизвестно, но написан этот портрет в Лондоне, где ван Дейк пребывал в качестве придворного художника Карла I. Поэтому предполагают, что это какой-то знатный англичанин. Второй английский период Ван Дейка (первый был при отце Карла, короле Якове I) – самое счастливое время в жизни художника, эпоха его творческого расцвета и наибольшей славы.

Фото 71. Диего Веласкес (1599–1660). Конный портрет Филиппа IV. Около 1635. Диего Веласкес долгие годы был придворным художником испанского короля Филиппа IV и создал несколько конных портретов монарха, прославляющих его смелость и доблесть. Эта работа предназначалась флорентийскому скульптору Пьетро Такки, который должен был, отталкиваясь от живописного изображения, отлить в бронзе монумент монарху.

Фото 72. Бартоломе Эстебан Мурильо (1617–1682). Мадонна с чётками (Virgin of the Rosary). 1650. Невозможно не обратить внимания на сияние, исходящее от Девы Марии и Ее маленького Сына, как и на следующей картине.

Фото 73. Бартоломе Эстебан Мурильо (1617–1682). Дева Мария с Младенцем. Около 1660.

Фото 74. Хосе де Рибера (1591-1652). Св. Франциск Ассизский. 1643. Это полотно считается одной самых удачных версий святых и мучеников, во множестве написанных этим «испанским караваджистом эпохи барокко, жившим и работавшим в итальянском Неаполе».

Фото 75. Юстус Сюстерманс (1597-1681). Галилео Галилей. 1636(?).

Фото 76. Гвидо Рени (1575–1642). Клеопатра. Около 1640. Картина основана на истории смерти последней правительницы Египта из династии Птолемеев: возлюбленная римского полководца Марка Антония после его военного поражения и вынужденного самоубийства решила покончить с собой. В её руке - змея, от укуса которой она умрёт. Данное полотно относится к позднему творчеству художника. В тот период он, воспитанник болонской Академии, вновь, теперь уже под влиянием развивавшегося классицизма, обратился к академическим приемам, соединив их с барочными.

Фото 77. Гвидо Рени (1575–1642). Св.Петр в слезах (San Pietro in lacrime). Многие художники посвятили свои работы этому знаменитому библейскому сюжету. Это - про плач грешника, троекратно отрекшегося от Сына Божьего («прежде нежели дважды пропоет петух») и мучимого раскаянием в грехе малодушия.

Фото 78. Карло Дольчи (1616-1686). Св.Петр в слезах. 1654. Еще одно полотно, уже другого художника, на ту же тему.

Фото 79. Карло Дольчи (1616-1686). Ecce Homo. Выражение «Ecce Homo» («Се человек»), когда-то произнесенное Понтием Пилатом в отношении Христа, стало крылатым. Его употребляют, в частности, когда хотят указать на достойного сострадания человека.

Фото 80. Карло Дольчи (1616-1686). Апостол Андрей перед распятием на кресте. 1646. Ныне традиционно считается, что Андрей был распят на Х-образном кресте, который теперь известен как «Крест Святого Андрея». Предположительно, это была его собственная просьба, поскольку он считал себя недостойным быть распятым на том же типе креста, что и Иисус. Существуют три копии этой работы Карло Дольчи - в разных музеях.

Фото 81. Карло Дольчи (1616-1686). Мадонна с Младенцем. 1570-1575. Реставрация полотна в 2015 году показала, что эта композиция с двумя фигурами была частью большого полотна «Поклонение волхвов». Это объясняет направленность взглядов и Марии, и Младенца в правый нижний угол, где прежде была коленопреклоненная фигура одного из волхвов.

Фото 82. Карло Дольчи (1616-1686). Портрет Клавдии Фелициты (в образе Галлы Плацидии). Около 1672-1675. Клавдия Фелицита - вторая жена императора Леопольда I; в замужестве — императрица Священной Римской империи, королева Германии, Венгрии и Чехии, эрцгерцогиня Австрийская и графиня Тирольская. Она умерла в 1676 году в возрасте 22-х лет от туберкулеза. Большое количество копий и повторений разных картин этого художника говорит о том, что его работы в свое время пользовались огромным успехом, и художник эту популярность удачно, как бы сказали сейчас, монетизировал.

Фото 83. Карло Дольчи (1616-1686). Св. Карло Борромео. Это портрет кардинала и святого католической церкви, одного из самых видных деятелей Контрреформации, инициатора реформы монашеских орденов.

Фото 84. Лука Джордано (1634-1708). Непорочное зачатие. 1680-е. За быстроту, с которой работал этот знаменитый неаполитанский художник, он получил прозвище «Лука Фа-Престо» (итал. Luca Fа-presto — «Лука, делающий быстро»).

Фото 85ab. Эмилио Дзокки (1835-1913). Юный Микеланджело. Мрамор. Около 1862. Считается, что скульптор изобразил эпизод встречи Лоренцо Великолепного и маленького Микеланджело, как ее описал Джорджио Вазари. Об этом говорят две детали: герб Медичи в основании скульптуры (его не видно на наших фото) и фавн, над которым работает юный Микеланджело - как это и было при его встрече с Лоренцо Великолепным. Впоследствии Эмилио Дзокки выполнил несколько версий этой своей работы, которые распространились по разным коллекциям.

Фото 86. Винченцо Консани (1818-1887). Виттория. Мрамор. 1867. Эту работу скульптор посвятил усилиям короля Виктора Эммануила II в объединении Италии. У этой богини победы нет крыльев, в отличие от классических греческих образцов, взятых скульптором за основу. В зале Юпитера, где установлена эта статуя, ее окружают фрески Пьетро да Кортона, а также полотна выдающихся художников.

Фото 87ab. Антонио Канова (1757-1822). Венера Италийская. Мрамор. 1812. Статуя была заказана Людовико I, королём Этрурии на замену так называемой Венеры Медичи – древней статуи, датируемой I веком до н.э., найденной когда-то на развалинах виллы римского императора Адриана вблизи Рима и купленной Медичи для своей коллекции. Однако в 1802 году по приказу Наполеона она была изъята из флорентийской галереи Уффици, вывезена во Францию и помещена в Лувре. Канове заказали копию шедевра, но в процессе работы скульптор решил изваять свою собственную Венеру, которую и завершил в 1812 году. Она была установлена на месте древней статуи в галерее Уффици и сразу же завоевала сердца критиков и публики, получив имя Венеры Италийской. Тем временем, после отречения Наполеона Венеру Медичи удалось вернуть в Италию, и в начале 1816 года ее вновь поместили на прежнее место в галерее Уффици. А Венера Италийская Антонио Кановы теперь хранится в Палатинской галерее Палаццо Питти.

Фото 88ab. Слева - Венера Медичи, I век до н.э. (фото с сайта Галереи Уффици). Справа - Венера Италийская Антонио Кановы, 1812. Вопрос, какая из двух богинь любви более совершена в своём мраморном образе, остаётся дискуссионным. Однако нужно признать, что многие считают, что талант Кановы оказался выше мастерства древнегреческого скульптора Клеомена Афинского. «Когда я увидел эту божественную работу Кановы, — писал поэт Уго Фосколо в 1811 году, — я задохнулся тысячью желаний, потому что, если Венера Медичи — самая красивая богиня, то это самая красивая женщина». И этот итальянский поэт далеко не одинок в своем мнении.

{↑}

            Вся Италия

            Оглавление сайта