Нижний Новгород: Заречье

Введение: Нижегородская ярмарка

Ещё со средних веков (времён Волжской Булгарии и Золотой Орды) Волга была важным водным путём для торговли между Европой и Азией. Когда в середине 16-го века Иван Грозный захватил Казань и Астрахань, весь Волжский торговый путь оказался в руках России, что способствовало развитию как внутренней, так и внешней торговли (с Персией, а через нее и с прочей Азией). Именно тогда возникла одна из крупнейших ярмарок – Макарьевская, расположенная в 90 км ниже по течению Волги от Нижнего Новгорода. После того, как в 1816 году все деревянные постройки Макарьевской ярмарки были уничтожены пожаром, её решили перенести в Нижний Новгород.

Рис 1. План Нижнего Новгорода начала 20-го века с указанием мест расположения Нижегородской ярмарки (A) и Всероссийской выставки 1896 года (B) в Заречье, а также центра города - кремля (С).

Возводить ярмарочный городок решили на левом низком берегу реки Оки, на Стрелке, образуемой при её впадении в Волгу. Строительство возглавил испанский инженер на русской службе Августин Бетанкур по плану, предложенному ещё в 1804 году архитектором Андреяном Захаровым и впоследствии доработанным Огюстом Монферраном, автором Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге.

Строительство продолжалось 5 лет (1817-1822), за которые был сооружен гостиный двор, состоящий из 60 отдельных корпусов с 2530 лавками. Главный ярмарочный дом в классическом стиле и боковые административные корпуса образовывали центральную парадную улицу, а общая площадь ярмарки занимала почти 8 км². Был также построен уникальный для того времени плашкоутный (понтонный) мост через Оку длиной 510 метров, соединивший ярмарку с Нижним Новгородом (сейчас на этом месте расположен Канавинский мост).

Рис 2. Панорама Нижегородской ярмарки, цветная литография 1869 года. A - Главный ярмарочный дом; B - Спасский собор с колокольней; C - главная улица ярмарки, выполненная в виде широкого бульвара в 29 метров в ширину и 445 метров в длину; D - собор Александра Невского; Е - понтонный мост через Оку.

Торговали здесь солью, хлебом, чаем, рыбой, различными тканями, металлами, древесиной. Ежегодно на ярмарку съезжалось до 200 тысяч купцов, что в 10 раз превышало население Нижнего, который снискал себе славу купеческой столицы и «кармана России». Вторая половина 19-го века была эпохой расцвета ярмарки, а вместе с ней и города. Открытие Николаевской, а затем и Московско-Нижегородской железных дорог почти утроило стоимость привозимых товаров. Ярмарка способствовала развитию инфраструктуры города: строились доходные дома, банки, торговые конторы, гостиницы, храмы. На противоположном от ярмарки берегу Оки была застроена роскошными кирпичными зданиями Рождественская улица.

Рис 2a. План Нижегородской ярмарки. Подковообразный Бетанкуровский канал 100-метровой ширины окружал центральную часть ярмарки с трёх сторон, делая её похожей на Венецию:). Сейчас он исчез без следа.
Рис 2b. Нижегородская ярмарка, затопленная весенним разливом.

В конце 19-го века дополнительный импульс развитию Нижнего Новгорода придала проводившаяся неподалёку от ярмарки Всероссийская промышленная и художественная выставка 1896 года, проходившая с 28 мая по 1 октября. Она стала крупнейшей в дореволюционной России и демонстрировала достижения в науке, технологии, культуре, торговле, фабричном и горном деле - этакий прародитель ВДНХ. К открытию выставки в Нижнем Новгороде был пущен первый в России электрический трамвай, устроены фуникулёры — подъёмники, доставлявшие пассажиров с нижней части города в верхнюю, выстроены здания городского драматического театра, окружного суда, Волжско-Камского банка, гостиниц. Кроме того, многие здания, особенно в деловом центре города - на улице Рождественской - были обновлены и «приукрашены». Так что многим красотам, что сегодня можно наблюдать в городе, мы обязаны именно выставке 1896 года.

Рис 3. План Всероссийской промышленной и художественной выставки 1896 г. В настоящее времени на месте проведения выставки расположен «Парк им. 1-го мая», а от самой выставки сохранились два пакгауза, что сейчас стоят на Стрелке.

Трудно поверить, но вскоре после ликвидации Нижегородской ярмарки в 1930 году как «социально враждебного социализму явления», от этого «города в городе» мало что осталось. Район превратился в городские трущобы, а в 1970-е был застроен безликими панельными домами. Сохранились, правда, три важных здания: два собора и Главный ярмарочный дом. Сейчас они являются главными достопримечательностями Заречья, и в том числе о них пойдет речь в этом рассказе. Их расположение на Стрелке показано на плане ниже.

Рис 4. Основные достопримечательности Заречья.

Главный ярмарочный дом

К концу 1880-х годов Главный ярмарочный дом, построенный ещё Бетанкуром, настолько устаревает, что было решено возвести на его месте новый. В 1890 году было закончено строительство нового здания по проекту архитекторов Карла Треймана, Александра фон Гогена и Алексея Трамбицкого. Новый дом коммерции, стилизованный под русскую архитектуру 17-го века, получился лубочно-нарядным, с фигурными наличниками, кокошниками и высокой шатровой кровлей. Здание продолжало выполнять роль административного центра — во время ярмарки на его 2-м этаже размещались канцелярия губернатора, ярмарочная контора, отделение государственного банка, почта, телеграф, ресторан. А на 1-м этаже был один из крупнейших пассажей России с 70-ю магазинами.

Фото 1-1a. Главный ярмарочный дом. 1889-1890.

После упразднения ярмарки в 1930 г. Главный ярмарочный дом стал одним из немногих уцелевших построек ярмарочного городка. С 1934 по 1954 гг. в нём располагался горьковский горсовет, а в 1970-х годах открылся магазин «Детский мир». Сейчас там современный выставочный комплекс, где, помимо выставок, проводятся различные конференции и конгрессы. В пассаже снова работают магазины. С 2017 г. в Главном ярмарочном доме была открыта новая мультимедийная выставка сети «Россия — моя история», с акцентом на истории Нижнего Новгорода. Флагманский парк этой сети находится в Москве на ВДНХ в павильоне №57 (там мы были - очень интересно; в Нижнем, к сожалению, сходить не успели).

Фото 2-2a. Фасад Главного ярмарочного дома крупным планом с декором в русском стиле.

Спасский Староярмарочный собор

Приезжающим в Нижний на ярмарку купцам помимо лавок для торговли был нужен и храм для молитвы. Как и в случае со всей ярмаркой, составление проекта ярмарочного собора было поручено французскому архитектору Огюсту Монферрану, находившемуся тогда в подчинении у Бетанкура. Выполнение проекта Спасского собора совпало по времени с проектированием Монферраном Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге, что сделало эти два храма «братьями по отцу» со схожим внешним видом. Иногда Спасский собор даже называют архитектурным предшественником Исаакиевского. Ярмарочный собор был построен в 1818—1822 годах в стиле русский ампир и стал архитектурной доминантой Нижегородской ярмарки. Он является объектом культурного наследия федерального значения и считается одной из наиболее значимых построек периода высокого классицизма. Поскольку у собора не было прихода, его определили как второй кафедральный собор Нижнего Новгорода наряду со Спасо-Преображенским собором в кремле.

Фото 3-3a. Спасский собор Нижегородской ярмарки. Построен в 1818-1822 гг. инженером Августином Бетанкуром по проекту архитектора Огюста Монферана. Название «староярмарочный» он приобрел ближе к концу 19-го века, когда на стрелке Волги и Оки был построен «новоярмарочный» собор Александра Невского.

Первоначально по настоянию Монферрана резной иконостас собора был выполнен в европейском стиле итальянским художником Торричелли с непривычными (недостаточно одетыми:) для русского глаза изображениями святых. Консервативное купечество не приняло этой новизны и приходило в собор молиться с собственными иконами. Впоследствии провокационный иконостас заменили на другой, более привычный и понятный купцам.

Фото 3b. Интерьер Спасского собора. Внутренняя отделка - современная в стиле 19-го века.

В советские времена собор лишился высокой колокольни, иконостаса и церковной утвари, и долгое время «работал» складом. После передачи РПЦ в 1989 году в нём была проведена обширная реставрация снаружи и изнутри, и в настоящее время храм обрёл очень достойный облик.

Фото 4. Спасский собор расположен на одной оси с Ярмарочным домом.
Фото 4a. Улица, которая их соединяет, ныне называется сквером Августина Бетанкура.

Новоярмарочный собор Александра Невского

В 1856 году ярмарочное купечество изъявило желание построить второй православный ярмарочный храм в память о посещении ярмарки императором Александром II. Строительство началось в 1866 году на пожертвования (455 тысяч рублей), собранные за 10 лет. В 1880 году строительство храма был закончено. 20 июля 1881 года главный престол храма был освящён во имя святого князя Александра Невского, небесного покровителя Александра II, к тому времени уже скончавшегося после покушения в марте 1881 г. На освящении собора присутствовал император Александр III, его супруга Мария Фёдоровна и цесаревич Николай, будущий император Николай II.

Фото 5. Новоярмарочный собор Александра Невского. Построен в 1868-1880 гг. по проекту архитектора Льва Даля, сына известного лингвиста.

Собор получился грандиозный - он был третьим по высоте (87 м) в тогдашней Российской империи после храма Христа Спасителя и Исаакиевского собора. Архитектурный стиль храма получился очень необычным - крестово-купольный тип с пятью восьмигранными шатрами вместо традиционных куполов. Внутри собор отличался богатым убранством, а шестиярусный иконостас главного придела был высотой с восьмиэтажный дом (23 м). Однако всё это великолепие было утрачено в советские времена. Своего прихода у храма не было, его прихожанами были купцы, приезжавшие на ярмарку. Поэтому основное помещение было открыто только летом во время работы ярмарки, а зимой не отапливалось.

Фото 5a. Колокол «Соборный» на фоне храма. Фото из интернета.

В честь 400-летия подвига Нижегородского ополчения в 1612 году был отлит громадный колокол, который назвали «Соборным». Это третий по величине действующий колокол в России (не считая разбитого Царь-колокола в Московском Кремле), высотой и диаметром 4 метра и весом 64 тонны. Сейчас он установлен на временной звоннице у южного входа в собор, но со временем для него предполагается (согласно Википедии) построить специальную звонницу на самом мысу Стрелки.

Фото 5b. В 2021 году, к 800-летию основания города, рядом с собором был установлен памятник Александру Невскому.
Фото 5c. Оригинальный иконостас собора не сохранился, нынешний иконостас - современный, также как и росписи внутри храма. Восстановление утраченного интерьера собора продолжается по сей день.

Пакгаузы

На Стрелке, недалеко от собора Александра Невского, обращают на себя внимание две ажурные металлические конструкции, которые сейчас называются пакгаузами (слово это немецкое, в вольном переводе на русский означает «склад»).

Фото 6. Пакгаузы - ажурные металлические конструкции на Стрелке.

Очень любопытно их происхождение: на самом деле это остатки мануфактурных павильонов Всероссийской выставки 1896 года. После окончания выставки два павильона перенесли на Стрелку и стали использовать как склады (пакгаузы) Нижегородской ярмарки, а в советское время - как склады находившегося здесь Горьковского речного порта. Со временем их обложили кирпичом и закрыли металлической крышей, что, парадоксальным образом, спасло их от ржавчины и в конечном счете - от разрушения.

Фото 6a. Мануфактурные павильоны Выставки 1896 года - прародители пакгаузов.
Фото 6aa. Машинные павильоны Выставки 1896 года - близкие родственники пакгаузов:).

Когда в 2017 году, в преддверии ЧМ по футболу, Стрелку стали расчищать от старых сооружений, чтобы построить там стадион, пакгаузы были обнаружены. Их оставили на месте, почистили, подремонтировали, и установили внутри них выставочные и концертные павильоны, назвав всё это Культурным центром «Пакгаузы». Во время нашего визита в Нижний мы ходили в этот центр на выставку картин русского авангарда. Картины оттуда показаны в конце этого раздела.

Фото 6b. Внутри пакгаузов сейчас покрытые зеркальной поверхностью павильоны.
Фото 6c. Один павильон выставочный, другой - концертный.
Фото 6d. На выставке картин русского авангарда в одном из павильонов.

Помимо Главного ярмарочного дома и двух соборов (все они числятся объектами культурного наследия федерального значения), а также пакгаузов (наследие регионального значения), на Стрелке сохранились и некоторые кирпичные здания, относившиеся к ярмарке. Наиболее интересны из них корпус мануфактурных складов и гостиница Никитиных.

Фото 7. Корпус мануфактурных складов Нижегородской ярмарки (ул. Мануфактурная, 14). Фото из интернета.
Фото 7a. Гостиница «Никитин» (ул. Стрелка, 13). Фото из интернета.

Фото 8. Со смотровой площадки у пакгаузов открываются красивые виды на исторический центр Нижнего Новгорода.
Фото 8а. Вид на Канавинский мост и Благовещенский монастырь.

Виды с воды: стадион и «Седьмое небо»

Когда мы плавали на кораблике по Волге мимо Стрелки, удалось хорошо разглядеть новый футбольный стадион, построенный к проводившемуся в России ЧМ по футболу 2018 года. Сразу за ним привлекли внимание красивые современные дома яркой окраски. Это оказался новый жилой комплекс «Седьмое небо» - один из самых современных микрорайонов города, расположенный в его заречной части.

Фото 9. На Стрелке расположен футбольный стадион международного класса «Нижний Новгород», построенный в 2018 г. для проведения матчей ЧМ в России.

Фото 10-10b. Так с Волги виден новый жилой комплекс «Седьмое небо».

Знаковые церкви в Заречье

Помимо двух соборов, в Заречье, в бывшем селе Гордеевка (а ныне на ул. Гордеевская), есть стоящие вплотную друг к другу две замечательные церкви. Положившись на маршрут, предложенный яндекс-картами, мы отправились к ним пешком от Спасского собора и почти заблудились в огромном гаражном комплексе на подходе. Абсолютно очевидно, что в том районе мы были туристами-первопроходцами - судя по удивлённым взглядам людей, возившихся там со своими машинами. Выбравшись из лабиринта гаражей, мы были вознаграждены вот такой картиной.

Фото 11. Храмовый комплекс в честь Смоленской и Владимирской икон Божией Матери.

Церковь слева - это ещё один храм в Нижнем, построенный крупнейшим промышленником и купцом Григорием Строгановым. Более известна строгановская Рождественская церковь (мы уже писали о ней в части 4), но и эта, в честь иконы Смоленской Божьей Матери, чудо как хороша. Строганов построил её в своей тогда ещё загородной усадьбе в селе Гордеевка в 1690-е годы (главный престол был освящен в 1697 году). После переезда Строгановых в Москву в 1705 году Смоленская церковь стала приходской. Это ещё один пример пышного строгановского барокко, но уже в небольшом домовом храме. С 2019 года ведется реставрация церкви для восстановления её исторического облика с применением резьбы из белого камня. Предполагалось закончить все работы к 800-летию Нижнего Новгорода в 2021 году, но, как видно из снимков, конец ещё неблизко.

Фото 12ab. Церковь Смоленской иконы Божьей Матери. 1697.
Фото 12с. Обильный барочный декор строгановской церкви.

Вторая церковь, Сретенья Владимирской иконы Божьей Матери, была построена значительно позже, в 1908 году, для нужд выросшего прихода. По высоте она уступает в Нижнем только собору Александра Невского. У церкви очень необычный вид, с центральным восьмигранным шатром и большими закомарами в виде подков. Современные интерьеры храма в византийском стиле очень хороши.

Фото 13ab. Церковь Сретенья Владимирской иконы Божьей Матери. 1908. Архитектор - Дмитрий Фёдоров.
Фото 13с. Интерьер церкви (интернет, самому снять не удалось из-за службы).

Осмотрев церкви, мы сели на трамвай и приехали на вокзал, где в камере хранения лежали наши чемоданы. Уже на вокзале познакомились с ещё одной достопримечательностью Заречья - Императорским павильоном. Он предназначался для короткого отдыха царской семьи и других почётных гостей, прибывающих в город по железной дороге (VIP-зал современным языком:). Император Николай II отдыхал здесь дважды: в 1896 году, когда приезжал на Всероссийсую выставку, и в 1913 году - во время визита, посвященного празднованию 300-летия дома Романовых.

Фото 14. Императорский павильон на Московском вокзале. 1894. Архитектор Дмитрий Чичагов.

{↑}

Выставка русского авангарда

В мае-августе 2023 года, как раз во время нашего визита в Нижний Новгород, в выставочном центре «Пакгаузы» проходила выставка «Другие грани: русский авангард из музейных и частных собраний Урала». Экспозиция получилась масштабная: 206 картин 80-ти авторов из 7 уральских музеев и одной частной коллекции. При подготовке этого фоторассказа были также использованы материалы Нижегородского государственного художественного музея.

Фото 1. Выставочный центр «Пакгаузы» на Стрелке, где проходила выставка.

Такая концентрация художественных произведений того периода на Урале – это результат государственной музейной политики после Октябрьской революции. Тогда новое искусство централизованно закупали в специальный художественный фонд, а затем распределяли и отправляли по городам РСФСР — для создания музеев современного искусства. Большая коллекция досталась уральским музеям (и особенно - Екатеринбургскому музею изобразительных искусств), до сих пор малоизвестная зрителям других регионов.

Авангард – собирательный термин для всех тех новаторских и даже революционных течений, появившихся на рубеже 20-го столетия, которые отрицали классическую традицию. И хотя хронологически история авангарда охватывает очень небольшой период – неполных три десятилетия 20-го века, - он вместил, однако, небывалое многообразие возникших тогда художественных стилей и направлений.

Родился авангард не на пустом месте, ему предшествовало появление импрессионизма, символизма, модерна. И на этой выставке в Нижнем была представлена не только классика авангарда самых разных направлений (неопримитивизм, сезаннизм, кубизм, и др.), но и некоторые работы, относящиеся к предшествующим и последующим стилям и течениям.

Фото 2. Всеволод Ульянов. Красные кони. 1917 г. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Символизм картины Ульянова, её стилистика представляет художественное направление, непосредственно предшествовавшее авангарду и оказавшее влияние на его участников. Несущиеся кони, 1917 год — художник вряд ли предполагал, что образ несущихся коней станет своеобразным пророчеством к его собственной судьбе. Революция принесла огромные перемены в жизнь страны, всё изменилось коренным образом...Всеволод Ульянов революцию не принял и в 1918 году, покинув Россию, сначала направился в Харбин, а оттуда перебрался в США.

Фото 3. Михаил Кузнецов. Пейзаж. 1910-е. Пермская государственная художественная галерея. Эта картина, как предыдущая и две следующие, по сути, являются предавангардом: в них еще сильны импрессионистские или символистские корни.

Фото 4. Игнатий Нивинский. Пейзаж. 1918. Пермская государственная художественная галерея.

Фото 5. Николай Голощапов (1888-1968). Пейзаж. 1910-е. Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

Что было для нас абсолютно неожиданным на этой выставке, так это представление работ четырех художников, которых организаторы назвали «своеобразными эндемиками» для уральских коллекций – Павла Голубятникова, Николая Третьякова, Петра Субботина-Пермяка и Василия Денисова. Каждого из них из-за их своеобразия сложно поставить в один ряд с художниками авангарда. Их работы очень редко встречаются за пределами уральских собраний, что сделало эту выставку еще более интригующей для заинтересованной публики.

Первым направлением авангарда явился неопримитивизм. Картины с нарочито простым рисунком и яркими красками стали появляться на выставках с 1907 года. В поисках искренности, простоты, яркой выразительности художники обращались к архаическим формам искусства, народному творчеству. На выставке было представлено несколько знаковых произведений этого направления.

Фото 6. Михаил Ларионов (1881-1964). Еврейская Венера. 1912. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Картина принадлежит к серии «Венер», в которой художник создал собственную интерпретацию «вечного» образа - с народным представлением о женской красоте, в противоположность к классическому идеалу. Нарочито примитивный рисунок этого лубочного образа показывает ироническое отношение автора к своему творению.

Фото 7. Наталия Гончарова (1881-1962). Косари. 1911. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Работа принадлежит к так называемым «крестьянским» холстам Гончаровой, которые занимают в ее живописи одно из центральных мест. Простота рисунка и намеренно грубая монументальность форм напоминают древние скифские изваяния и народную деревянную скульптуру.

Фото 8. Ольга Розанова (1886-1918). Портрет сестры, Анны Владимировны Розановой. 1912. Екатеринбургский музей изобразительных искусств.Формы в картине предельно обобщены и упрощены, основными выразительными средствами являются контур, линия и цвет. В письме к сестре художница писала: «Портрет твой среди художников произвёл фурор!».

Фото 9. Адольф Мильман (?). Город. 1910-е. Пермская государственная художественная галерея. Русских художников, подражавших Полю Сезанну, называли «московскими сезаннистами». Но их вдохновляли не только работы французского художника, они создавали собственный коктейль из фовизма, экспрессионизма, кубизма и традиций народного искусства.

Фото 10. Роберт Фальк (1886-1958). Пейзаж. Старая Руза. 1913. Пермская государственная художественная галерея. Творчество Сезанна затронуло Фалька особенно сильно, что позволило острому на язык Абраму Эфросу назвать его «человеком сезанновской национальности». И в «Старой Рузе» сезанновские мотивы очень заметны.

Фото 11. Петр Кончаловский (1876-1956). Портрет художника Василия Рождественского. 1912. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. В этом портрете ничто не указывает на то, что на ней изображен художник: перед нами крепкий детина, с огромными красными ручищами и мощной шеей, в окружении охотничьих собак. Да и сама живописная манера Кончаловского также подчеркнуто грубая и несколько примитивная. Оба художника входили в объединение «Бубновый валет» и сознательно противопоставляли себя рафинированному, утонченному символизму, который был одним из модных направлений в искусстве того времени.

Фото 12. Илья Машков (1881-1944). Портрет дамы в кресле. 1913. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Признанный мастер натюрморта, Машков работал и в других жанрах. Как и его натюрморты, портреты работы Машкова очень декоративны: он активно пользуется излюбленным приемом противопоставления цветовых пятен, отчего цвет «звучит» интенсивнее.

Фото 13-14. Илья Машков (1881-1944). Женский портрет с зеркалом. 1918. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. В этой работе художник смешивает жанры: портрет и натюрморт. В правом верхнем углу он помещает вазу с фруктами, устраивая прямую цветовую перекличку: красочные сочетания, которыми написана ваза, повторяются и в написании головы модели. Работы Машкова отличало неуёмное смешение цветов, что выводило из себя некоторых художественных критиков. «Я самый успешный в России художник, правда только по количеству ругани», — шутил Машков. Вот и в этой работе на светлую кожу лица и рук он нанес неожиданные разноцветные тени – красные, зеленые, фиолетовые.

Фото 15. Илья Машков (1881-1944). Натюрморт со статуэткой. 1922. Пермская государственная художественная галерея.

Фото 16. Илья Машков (1881-1944). Натюрморт с красной рыбой (Натюрморт с сигом). 1923. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Бенуа писал о Машкове: "Гиперболизируя силу и добиваясь особой звучности цвета, он допускал в своих этюдах самые смелые колористические сочетания".

Фото 17. Александр Куприн (1880-1960). Натюрморт. Цветы и фрукты. 1910-е. Пермская государственная художественная галерея. Этот художник был одним из наиболее последовательных русских сезаннистов. Он так выразил свое художественное кредо: «…Живопись, сильная по цвету, форме, с решительностью выражения, с новой манерой письма, свободной, широкой, не кропотливой и не серой, коричневой, а яркой, цветистой, с неимоверным напором устремления и энергии».

Фото 18. Александр Куприн (1880-1960). Натюрморт с курительной трубкой. 1917. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Как и другие участники объединения «Бубновый валет», Куприн в своих работах опирался на живописную систему Сезанна и Матисса, но его натюрморты более спокойны по интонации, чем, скажем, у его коллеги по объединению Ильи Машкова.

Фото 19. Аристарх Лентулов (1882-1943). Церковь в Солнцедаре. 1913. Пермская государственная художественная галерея. Лентулов очень любил музыку. Обладая идеальным слухом и поставленным еще в духовном училище голосом, он постоянно напевал за работой. Живопись он сравнивал с органной музыкой: «Ты смотри, как я меняю регистры. Вот видишь, начинаю с синего и тяну до желтого. Потом начинаю с красного и тяну до зеленого. Главное — разместить цвета в пространстве. Тогда звуки станут возвращаться к тебе, и ты поймешь их величие и емкость».

Фото 20. Аристарх Лентулов (1882-1943). Дома. 1919-1920. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Пишут, что Лентулов работал радостно, получая наслаждение от того, что делал. И это настроение передавалось зрителю. Его так и прозвали – солнечным художником, русским Ярило. Сам художник вспоминал: «Моя страсть к солнцу и яркому свету сопутствовала мне, что называется, со дня моего рождения».

Фото 21. Аристарх Лентулов (1882-1943). Молочница. 1918. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Радостным праздником бытия всегда воспринимались полотна Лентулова - как и эта его «Молочница». Художественный критик Александр Бенуа писал о картинах Лентулова: «Картины его поют и веселят душу… Нужно ценить и лелеять его ясный и радостный талант».

Фото 22. Аристарх Лентулов (1882-1943). Клязьма. Деревья. 1918. Пермская государственная художественная галерея. Тонкий колорист и изобретательный стилист, Лентулов всегда тяготел к декоративности.

Фото 23. Аристарх Лентулов (1882-1943). Портрет актрисы. 1919. Пермская государственная художественная галерея. Любопытно, что жанр портрета как таковой Лентулов категорически не признавал, считая фотографическое, реалистичное изображение человеческой внешности ненужным. «Я считаю портрет произведением искусства только в том случае, – пояснял он, – если художник передал своё переживание от данного объекта, своё впечатление, если хотите, даже своё настроение».

Фото 24. Николай Синезубов (1891-1956). Парикмахер. 1920. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. В этой камерной картине Синезубов показывает себя как выдающийся мастер колорита, формы и композиции. При этом цвет используется не столько для моделировки формы, но прежде всего как средство эмоциональной выразительности.

Фото 25. Иван Малютин (1891-1932). Натюрморт с мужской сорочкой. 1918. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Произведение было написано Иваном Малютиным в тяжелые годы Гражданской войны. Но, несмотря на бытовую неустроенность тех лет, реквизитом для натюрморта выбраны вещи из мирной жизни и даже элегантные: белая сорочка, накрахмаленные подворотнички, флакон с одеколоном, платяная щетка, скомканный носовой платок. Свобода их расположения, кубистические смещения и сдвиги форм, яркость контрастных красочных пятен, огрубленность контуров воспринимаются как следствие эскизной быстроты работы художника.

Фото 26. Роберт Фальк (1886-1958). Девочка в кресле. 1919-1920. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. На первый взгляд кажется, что портрет незавершен: лицо и руки написаны предельно обобщенно. На самом деле - это вариант письма в духе раннекубистических женских портретов Пикассо. На этом полотне - абсолютно мастерская колористика. "Цветные плоскости разных оттенков, соединяясь, формируют платье девочки. Яркие отблески от платья и воротника ложатся на лицо точными мазками, которые не только лепят форму, но и слегка деформированным расположением носа, рта и глаз... передают эмоциональное состояние модели".

Фото 27. Владимир Бехтеев (1878-1971). Бой быков. 1919. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Среди сложно перекрещивающихся дуг, наслаивающихся друг на друга разноцветных плоскостей выделяются изящный черный силуэт коня, вздыбленного над ареной мощным ударом быка, и устремленные к нему фигурки тореро. Много времени проведший в Мюнхене, Бехтеев испытал сильное воздействие немецкого экспрессионизма - что нельзя не заметить в этом полотне. В русском авангарде в целом экcпрессионизм не получил широкого распространения, в отличие от кубизма, влияние которого в этом полотне тоже просматривается.

1910-е годы стали периодом рождения абстрактного искусства, у истоков которого стояли именно русские художники. Одним из основных его направлений была геометрическая абстракция, включавшая супрематизм и конструктивизм. Беспредметники считали отказ от изображения предметов переходом к «искусству чистых ощущений». Так, Малевич сравнивал беспредметность с молоком без бутылки, то есть с чистым вкусом, который не зависит от того, какую форму имеет сосуд.

Фото 28. Казимир Малевич. «Супрематизм». 1915. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Эта работа входит в число первых супрематических произведений художника, показанных им в 1915 году. В ней объединены все «первоэлементы» супрематизма: черный и красный квадраты, круг, окрашенные прямоугольники и трапеции. Так что у Малевича был не только черный, но и красный, и белый квадраты (если кто-то не знал:). Изобретенный Казимиром Малевичем супрематизм стал самым радикальным направлением русского авангарда.

Фото 29ab. Ольга Розанова (1986-1918). Обе - Беспредметные композиции. 1916. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Как писала художница Варвара Степанова, «...супрематизм Розановой противоположен супрематизму Малевича, который строит свои работы на композиции квадратных форм, в то время как Розанова строит на цвете. У Малевича цвет существует только для того, чтобы отличить одну плоскость от другой – у Розановой композиция служит для выявления всех возможностей цвета на плоскости, в супрематизме она дала супрематизм живописи, а не квадрата».

Фото 30. Василий Кандинский (1866-1944). Импровизация №217. Серый овал. 1917. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Василий Кандинский стал первым художником, перешедшим в 1911 году от предметной живописи к чистой абстракции. В картинах Кандинского, в отличие от геометрических абстракций Малевича, обычно угадываются некие антропоморфные образы, фантастические существа – то ли из макро-, то ли из микромира. В них можно всматриваться бесконечно, при этом каждый видит что-то своё.

Фото 31ab. Александр Родченко (1891-1956). Слева - Композиция. 1918. Пермская государственная художественная галерея. Справа - Беспредметная композиция. 1919. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. В этих и других работах того времени художник экспериментирует в создании абстрактно-геометрических форм, придавая им строго рациональный характер. Тогда Родченко начал относиться к искусству как к изобретению новых форм и возможностей. Художника интересовал практический подход: как бы его назвали сегодня - дизайнерский. Не случайно Родченко стал одним из основоположников конструктивизма, родоначальником дизайна и рекламы в СССР.

Российские авангардные открытия продолжали переосмысливаться до начала 1930-х, но многие художники, стремясь соответствовать духу послереволюционного времени, в 1920-е годы переживали своего рода возврат в прошлое: от новаторских экспериментов - к классическому искусству, к традициям русской живописной школы.

Фото 32. Петр Кончаловский (1876-1956). Мальвы. 1921. Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Петр Кончаловский - яркий пример художника-колориста, умеющего ваять цветом форму. Кончаловский говорил, что пишет цветы, словно трудное, но необходимо упражнение: «Цветок нельзя писать «так себе», простыми мазочками, его надо изучить, и так же глубоко, как и все другое».

Фото 33. Александр Шевченко (1883-1948). Портрет жены. 1924. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Невозможно не обратить внимания на необычный ракурс изображения, выбранный художником.

Фото 34. Василий Рождественский (1884-1963). Тополя. 1929. Пермская государственная художественная галерея.

С 1932 года весь авангард и любые формальные поиски оказались под жестким запретом. Все художественные объединения были упразднены и взамен был создан единый Союз советских художников, ориентированный на соцреализм, на восприятие массового зрителя. На выставке под рубрикой «Репрессированные картины» были представлены несколько работ, которые в советское время было предписано изъять из музейных фондов и уничтожить - за «формализм и низкое качество». Но сотрудники Нижнетагильского музея-заповедника «Горнозаводской Урал» спрятали их в запасниках и тем самым спасли их от уничтожения. Картины долгое время считали утраченными, но в 1980-е годы, в ходе инвентаризации, они были неожиданно обнаружены.

Фото 35. Митрофан Берингов (1889-1937). Свадьба слепых. 1929. Нижнетагильский музей-заповедник «Горнозаводской Урал». Картина «Свадьба слепых» - это откровение художника о слепоте творческой интеллигенции, к которой автор относил и себя (себя он изобразил справа, в темных очках). Картина передает болезненные ощущения автора от событий того времени, когда уже начались процессы против вредителей из числа интеллигенции. Участники застолья на картине Берингова собрались вместе, но все они — в своем слепом замкнутом одиночестве. То ли не видят, что их ждет, то ли не хотят видеть, то ли это осознанный отказ смотреть правде в глаза в попытке сохранить свой внутренний мир.

Фото 36. Павел Суриков (1897-1943). Детский праздник. 1928. Нижнетагильский музей-заповедник «Горнозаводской Урал». Картина написана ярко и смело, в духе французского импрессионизма, во время пребывания во Франции, куда художник был послан в числе лучших дипломников, удостоенных права на зарубежную поездку. Лица героев прописаны не точно, но с помощью красок художник передал радостное настроение происходящего.

Ну а теперь - о 4-х самобытных уральских живописцах, остававшихся до недавнего времени вычеркнутыми из истории отечественного искусства. Все они тем или иным образом были связаны с авангардным искусством, хотя в формальные объединения художников не входили. Сейчас их работы - это практически эксклюзивная собственность и гордость нескольких уральских музеев и одного частного собрания.

Челябинский музей изобразительных искусств владеет подборкой работ Николая Русакова (1888-1941), ученика Николая Фешина и Константина Коровина. В биографии Николая Русакова несколько раз встречается слово «первый». Он – первый челябинский художник, получивший столичное образование, создатель первой в городе художественной студии, первый челябинский импрессионист… По ложному доносу Николай Русаков был арестован и расстрелян в родном городе в 1941 году. Реабилитирован посмертно в 1957 году, но даже и после этого его картины долго не показывали публике. Сорок лет забвения. Только в 1980 году работы Николай Русакова были наконец выставлены в Челябинске.

Фото 37ab. Николай Русаков (1888-1941). Автопортреты (слева - 1912, справа - 1915). Челябинский музей изобразительных искусств. Николай Русаков - не единственный художник в истории искусств, обращавшийся к автопортрету как свидетельству трансформации в своем творчестве.

Фото 38. Николай Русаков (1888-1941). Портрет А.М.Родченко. 1915. Челябинский государственный музей изобразительных искусств. Русаков и Родченко вместе учились в Казанской художественной школе у Николая Фешина, а позже - и у К.Коровина тоже.

Фото 39. Николай Русаков (1888-1941). Кафе-шантан (Матросский бар). 1916. Челябинский государственный музей изобразительных искусств. Дипломная работа художника по окончании Московского училища живописи, ваяния и зодчества (мастерская Константина Коровина).

Фото 40. Николай Русаков (1888-1941). Портрет девушки. 1919. Челябинский государственный музей изобразительных искусств.

Фото 41. Николай Русаков (1888-1941). Караваны идут. 1920-е. Челябинский государственный музей изобразительных искусств. «Николай Русаков жил цветом, это была его стихия, — написала Галина Трифонова, автор монографии о художнике. — И особую роль в этом сыграло его увлечение Востоком. Только-только перевели в России книгу Поля Гогена «Ноа Ноа» — и он вслед за французским художником едет на Восток».

Фото 42. Николай Русаков (1888-1941). Привал каравана. 1925. Челябинский государственный музей изобразительных искусств.

Фото 43. Николай Русаков (1888-1941). Восточные мудрецы [читают газету «Правда»:)]. 1917-1924. Челябинский государственный музей изобразительных искусств. «Восток в творчестве Русакова не просто тема, а бесконечно увлекавший его образ бытия. От Востока он взял цвет... в сочетании с графической линейностью...» (Галина Трифонова).

Фото 44. Николай Русаков (1888-1941). Советская девушка. 1920. Челябинский государственный музей изобразительных искусств.

Фото 45. Николай Русаков (1888-1941). Автопортрет в красной рубахе. 1935. Челябинский государственный музей изобразительных искусств. Один из последних автопортретов Русакова написан в авангардной стилистике, с многозначной трактовкой красного – это и иконный цвет, и исконно русский, и цвет революции.

Фото 46. Один из залов выставки с работами Николая Русакова и Василия Денисова.

Пожалуй, более всего из представленной четверки уральских "эндемиков", как их назвали организаторы выставки, нас удивил Василий Денисов (1862-1922). Денисов пришел в изобразительное искусство профессиональным музыкантом- валторнистом, после многолетней музыкальной карьеры. И шел ему уже тогда 4-й десяток лет. Прекрасное знание музыки сформировали оригинальный взгляд художника-музыканта, что и делает его работы такими самобытными.

Фото 47. Василий Денисов (1862-1922). Муза творчества. 1907. Частное собрание. Екатеринбург. Расцвет творчества художника приходится на 1900-1910-е гг. и всецело связан с символизмом. Наибольший интерес в художественном наследии Денисова составляют фантастические и аллегорические композиции.

Фото 48. Василий Денисов (1862-1922). Портрет Госпожи Ж.Ф.К. 1909. Частное собрание. Екатеринбург. Парадоксально, но самое большое собрание картин оказалось в Екатеринбурге - в городе, где он никогда не был и с которым его ничего не связывает. Родственники художника, переехавшие в Екатеринбург, искали музей или коллекционера, который бы приобрел полотна малоизвестного художника, требующие серьезной реставрации. И в этой роли выступил Евгений Ройзман, тогдашний губернатор.

Фото 49. Василий Денисов (1862-1922). Женский профиль. 1910-е. Частное собрание. Екатеринбург. Изобразительную грамоту Денисов начал постигать в середине 1890-х, когда ему шел уже четвертый десяток. Он был всего на год моложе своего первого учителя Константина Коровина и на четыре года старше второго – Валентина Серова.

Фото 50-51. Василий Денисов (1862-1922). Слева - Синий портрет. 1911. Справа - Портрет сына. 1912. Обе - из частного собрания. Екатеринбург. По воспоминаниям современников, Денисов «чувствовал в музыке краски, цвет, а в красках, в цвете — музыку» и строил композиции своих работ по принципам построения музыкального произведения.

Фото 52. Василий Денисов (1862-1922). Звонница Спасо-Евфимиева монастыря в Суздали. 1914. Частное собрание. Екатеринбург.

Фото 53ab. Василий Денисов (1862-1922). Слева - Моисей. 1912. Справа - Новый пророк. 1919. Обе из частного собрания. Екатеринбург. Вначале художник принял события 1917 года и работал над портретами вождей революции, плакатами, сценическими панно для съездов в Большом театре. А дальше нарастало ощущение трагичности происходящего...

Фото 54. Василий Денисов (1862-1922). Лев Троцкий. 1919. Частное собрание. Екатеринбург. Умер художник в 1922 году от последствий простуды...

В Нижнетагильском музее изобразительных искусств волею обстоятельств (и здесь - тоже они!) и усилиями музейных сотрудников оказалась большая коллекция произведений Павла Голубятникова (1891-1942) - ленинградского художника, одного из тех, кого «переехало» время и чье имя надолго было незаслуженно забыто, любимого ученика Кузьмы Петрова-Водкина.

Фото 55. Павел Голубятников (1891-1942). Самолет над селом. 1926. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Встреча с Петровым-Водкиным определила судьбу художника, явив полное совпадение их мировоззрений и родство душ.

Фото 56. Павел Голубятников (1891-1942). Голова женщины. 1926. Нижнетагильский музей изобразительных искусств.

Фото 57. Павел Голубятников (1891-1942). Автопортрет с луной. 1931. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. В 30-е годы его обвинили в формализме, уволили с работы из Академии художеств, где он преподавал в мастерской своего учителя. С 1929 г. Голубятников в выставках не участвовал, его имя исчезло из каталогов. Художник умер от дистрофии в блокадном Ленинграде в 1942 году. Многие его живописные произведения погибли при бомбардировке города.

Фото 58. Павел Голубятников (1891-1942). Портрет дочери. 1934. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Уцелевшие в годы войны его картины и архив были вывезены на Урал женой, и только 30 лет спустя семья передала их в Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Там теперь и находится практически полное собрание работ этого художника, ставшее основой для большого проекта музея «Возвращенные имена».

Фото 59. Павел Голубятников (1891-1942). Портрет жены с курицами. 1936. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Голубятников, как считают, был наиболее верным последователем Петрова-Водкина.

Фото 60. Павел Голубятников (1891-1942). Аэродром. 1937. Нижнетагильский музей изобразительных искусств. Картины Голубятникова наполнены какой-то радостью, чистыми красками и образами.

Фото 61. Зал выставки, где были показаны работы Павла Голубятникова и Петра Субботина-Пермяка.

Совершенно уникальная творческая личность – уроженец Кудымкара Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). На выставке была представлена большая подборка его работ из Пермской художественной галереи и Коми-Пермяцкого краеведческого музея. Он умер в 36 лет от чахотки, успев сделать совсем немало во многих областях: и в живописи, и как организатор-педагог, и как художник-декоратор. Он занимался возрождением народных ремесел и промыслов на своей малой родине, заложил основы для создания музея (который теперь носит его имя) в родном городе Кудымкаре.

Фото 62. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Автопортрет. 1910-е. Коми-Пермяцкий краеведческий музей им. П.И. Субботина-Пермяка.

Фото 63. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Воронежская баба. 1912. Коми-Пермяцкий краеведческий музей им. П.И. Субботина-Пермяка. Влияние художников Архипова и Малявина было весьма ощутимым на ранних этапах.

Фото 64. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Отдых над рекой. Чаепитие. 1916. Коми-Пермяцкий краеведческий музей им. П.И. Субботина-Пермяка. Полотна с изображением крестьян, сцен по мотивам коми-пермяцкого быта были яркими и декоративными.

Фото 65. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Купальщицы. Начало 1920-х. Пермская государственная художественная галерея. На рубеже 1920-х годов во главу угла творческих поисков Субботина стала проблема передачи движения.

Фото 66. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Паужина (Полдник). 1920. Пермская государственная художественная галерея. В начале 1920-х годов художник начал явно склоняться к кубофутуристическим построениям.

Фото 67. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Натюрморт с художественными принадлежностями. 1921. Коми-Пермяцкий краеведческий музей им. П.И. Субботина-Пермяка.

Фото 68. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Натюрморт с самоваром. 1922. Коми-Пермяцкий краеведческий музей им. П.И. Субботина-Пермяка.

Фото 69. Петр Субботин-Пермяк (1886-1923). Натюрморт с булками и посудой. 1921. Пермская государственная художественная галерея. Невероятно лаконичные и яркие работы!

{↑}

            Оглавление сайта